Tag: Spektakle Teatru Polskiego

  • Dom lalki

    Dom lalki

    Henrik Ibsen
    Dom lalki

    PREMIERA:
    6 października 2017, Scena Kameralna im. Sławomira Mrożka
    Spektakl powstaje przy udziale finansowym Teatru Ateneum im. Stefana Jaracza w Warszawie,
    instytucji kultury m. st. Warszawy.

    przekład: Anna Marciniakówna
    reżyseria: Agnieszka Lipiec-Wróblewska
    scenografia i kostiumy: Agnieszka Zawadowska
    ruch sceniczny: Anita Wach
    światło: Jacqueline Sobiszewski
    muzyka: Irina Blokhina

    OBSADA:
    Eliza Borowska – Nora
    Anna Cieślak – Krystyna Linde
    Yo Sakai – Ana – niania u Helmerów
    Piotr Bajtlik – Krogstad
    Andrzej Mastalerz – Doktor Rank
    Krystian Modzelewski – Torwald Helmer

    Inspiracją do napisania sztuki było publiczne wystąpienie Ibsena w Towarzystwie Skandynawskim w Rzymie wiosną 1879 roku. Postulował on, by na stanowiska sekretarza i bibliotekarza Towarzystwa mogły kandydować kobiety. Jego apel wyśmiano, więc Ibsen postanowił zawalczyć o prawa kobiet piórem.

    Na tematykę Domu lalki wpłynęła też sprawa Laury Kieler, dobrej znajomej Ibsena, która będąc w poważnych kłopotach finansowych, sfałszowała podpis na wekslu narażając się na gniew męża. Mąż zażądał rozwodu, zabrano jej dzieci, a ją zamknięto w szpitalu psychiatrycznym.

    A zatem historia jakich wiele: w imię miłości, zaślepieni chęcią ratowania ukochanych, bywa, że łamiemy prawo, normy, zasady i konwencje…

    Nora Helmer jest szczęśliwą żoną Torvalda, który ma objąć stanowisko dyrektora Banku Akcyjnego. Mają troje małych dzieci. Ale Nora skrywa pewien sekret. Od wielu lat prowadzi podwójne życie – podejmuje się różnych prac, by spłacić dług zaciągnięty u Krogstada, przyjaciela Torvalda, na poratowanie zdrowia męża w początkach ich małżeństwa. By pożyczka była możliwa, Krogstad zażądał poręczenia weksla przez umierającego ojca Nory, która sfałszowała jego podpis. Dawna przyjaciółka Nory – Krystyna Linde – przyjeżdża do miasta, by szukać pracy. Nora przekonuje Torvalda, by ten załatwił jej posadę w banku. W ten sposób pracę straci jednak Krogstad, który prosi Norę o protekcję, szantażując ją wyjawieniem tajemnicy sfałszowanego weksla i sekretnej pożyczki. Krogstad informuje o sprawie Helmera. Ten nie może wybaczyć żonie, że dopuściła się przestępstwa i przez lata go okłamywała.

    https://pl.wikipedia.org/wiki/Dom_lalki_(dramat)

    Ze względu na opinię publiczną i swoją pozycję pozwala mieszkać Norze w domu, lecz odbiera jej prawo do wychowywania dzieci. Tymczasem pod wpływem Krystyny zakochany Krogstad odsyła Helmerowi fatalny weksel. Mąż przebacza Norze. Zaczyna rozumieć jej intencje. Nora postanawia jednak zmierzyć się ze światem samotnie. Porzuca rodzinę i dom.

    Henrik Ibsen (1828 – 1906)

    – syn zamożnego kupca, który po bankructwie ojca zmuszony był podjąć pracę zarobkową w charakterze pomocnika aptekarza. Marzył o karierze lekarza. Już po podjęciu studiów postanowił jednak poświęcić się wyłącznie literaturze. Walczył o reformę norweskiego dramatu i teatru.
    W 1857 roku został dyrektorem artystycznym Christiania Norske Theater. Surowo oceniał społeczeństwo punktując jego hipokryzję i zakłamanie, co nie przymnażało mu sympatyków i przyjaciół. Na przełomie lat 50. i 60. XIX wieku Ibsen rozczarowany postawą Norwegii, która nie pomogła Danii napadniętej przez Prusy, a także przymuszony problemami finansowymi zdecydował się emigrować z kraju. Przez kolejne 27 lat mieszkał we Włoszech i w Niemczech. Dopiero w 1891 roku wrócił do Norwegii. Ostatnie lata życia pisarz spędził w Christianii (Oslo), gdzie był jednym z najznamienitszych obywateli. Ostatecznie twórczość Henrika Ibsena doczekała się międzynarodowego uznania, a pisarza zaczęto określać mianem „sumienia Europy”.
    Do jego najgłośniejszych dramatów należą: Brand, Peer Gynt, Hedda Gabler, Budowniczy Solness, Dzika kaczka, Upiory i Gdy wstaniemy z martwych.

    Scena Kameralna im. Sławomira Mrożka
    DOM LALKI, PREMIERA: 6 października 2017, Scena Kameralna im. Sławomira Mrożka
  • Anhelli goes to America

    Anhelli goes to America

    Włodek Pawlik Trio – Anhelli goes to America
    koncert specjalny (więcej…)

  • Zemsta Bogów

    Zemsta Bogów

    ZEMSTA BOGÓW
    Hollywoodzki musical słowiański

    29 ODCINEK POŻARU W BURDELU „ZEMSTA BOGÓW”
    w reżyserii: MICHAŁA WALCZAKA

    Burdel artystyczny pod wodzą tyrana Zdzisława realizuje politykę historyczną i otwiera się na nowe pole działania – kino. (więcej…)

  • Król Lear

    Król Lear

    Król Lear – King Lear

    Przekład STANISŁAW BARAŃCZAK
    Reżyseria JACQUES LASSALLE
    Scenografia i kostiumy DOROTA KOŁODYŃSKA
    Muzyka MIROSŁAW JASTRZĘBSKI
    Reżyser światła MIROSŁAW POZNAŃSKI
    Projekcje MIKOŁAJ MOLENDA
    Współpraca scenograficzna ARKADIUSZ CHRUSTOWSKI
    Asystent reżysera ANNA SKURATOWICZ
    Układ walk PRZEMYSŁAW WYSZYŃSKI

    Obsada:
    KRÓL LEAR – Andrzej Seweryn
    GONERYLA – Marta Kurzak
    REGANA – Anna Cieślak
    KORDELIA – Lidia Sadowa/Afrodyta Weselak
    KRÓL FRANCJI – Maksymilian Rogacki
    KSIĄŻĘ BURGUNDII – Piotr Bajtlik
    KSIĄŻĘ KORNWALII – Marcin Kwaśny
    KSIĄŻĘ SZKOCJI – Tomasz Błasiak
    HRABIA GLOUCESTER – Jerzy Schejbal
    EDGAR – Krystian Modzelewski
    EDMUND – Krzysztof Kwiatkowski/Tomasz Brzostek
    HRABIA KENT – Piotr Cyrwus
    OSWALD – Szymon Kuśmider
    BŁAZEN – Jarosław Gajewski
    STARZEC- Krzysztof Kumor
    LEKARZ – Antoni Ostrouch
    RYCERZ – Adam Biedrzycki
    KAPITAN, PIERWSZY SŁUGA KSIĘCIA KORNWALII – Marcin Jędrzejewski
    DRUGI SŁUGA KSIĘCIA KORNWALII – Przemysław Wyszyński
    TRZECI SŁUGA KSIĘCIA KORNWALII – Dominik Łoś
    PIERWSZY TOWARZYSZ KRÓLA – Henryk Łapiński/Tadeusz Wojtych
    DRUGI TOWARZYSZ KRÓLA – Stefan Szmidt
    DRUGI POSŁANIEC – Wojciech Czerwiński
    ŻOŁNIERZ/STRAŻNIK – Sławomir Głazek
    ŻOŁNIERZ/ASYSTENT LEKARZA – Fabian Kocięcki

    Statyści : Ireneusz Blanc, Marcin Różycki, Jacek Stefaniak, Marek Szadkowski, Marek Wilkowski, Paweł Witkowski.

    Jedna z najwybitniejszych tragedii Williama Szekspira na scenie Teatru Polskiego. Reżyseruje legenda europejskiej reżyserii teatralnej – Jacques Lassalle. W roli głównej Andrzej Seweryn.

    Historia inscenizacji

    Datowane na lata 1603-1606 dzieło Williama Szekspira uchodzi za jeden z najwybitniejszych tekstów dramatycznych w historii. „Król Lear” oparty jest na mitycznej postaci Llyra – króla Bretanii, którego los utrwalono w kulturze w postaci licznych celtyckich podań. „Król Lear” doczekał się niezliczonej ilości realizacji i adaptacji teatralnych. Jedna z najbardziej znanych inscenizacji tego tekstu w minionym wieku była dziełem Petera Brooka, słynna z zapisu filmowego, przygotowanego przez reżysera. „Król Lear” był też podstawą literacką jednego z najwybitniejszych filmów w historii kina – filmu „Ran” w reżyserii Akiry Kurosawy.

    Dramat Szekspira

    Dramat Szekspira to bolesna analiza kruchej istoty ludzkiej godności, zagubionej w świecie bez Boga, gdzie granice między wywyższeniem a upadkiem, rozsądkiem a szaleństwem, porządkiem a chaosem ustalają tylko niedoskonali ludzie. Lear – dotąd potężny władca – zrzekając się korony rezygnuje z poczucia bezpieczeństwa jakie dawał mu urząd. Nagle zmuszony jest mierzyć się ze sobą i światem jako zwykły człowiek.

    Król Lear w polskim teatrze

    W polskim teatrze tekst Szekspira przeżywa renesans zainteresowania wśród reżyserów. W ostatnich latach, na motywach „Króla Leara” swoje spektakle przygotowywali m.in. Piotr Cieplak, Grzegorz Bral i Krzysztof Warlikowski. Teatr Polski w Warszawie rozpoczął powojenną recepcję „Króla Leara” – w 1962 roku na deskach naszej sceny odbyła się pierwsza inscenizacja tej tragedii po zakończeniu drugiej wojny światowej. W spektaklu reżyserowanym przez Zygmunta Hübnera rolę tytułową zagrał Jan Kreczmar.

    Reżyser Jacques Lassalle

    Jacques Lassalle (ur. 1936) – Aktor, reżyser teatralny i operowy, dramatopisarz.

    W młodości związany ze Studio-Théâtre de Vitry. Dyrektor Théâtre National w Strasburgu w latach 1983-1990. Autor licznych inscenizac ji w Comédie-Française, w której pełnił funkcję generalnego administratora w latach 1990-1993. W Polsce reżyserował klasykę dramatu europejskiego („Tartuffe albo szalbierz”, „Umowa, czyli łajdak ukarany”, „Lorenzaccio”) na scenie Teatru Narodowego. Inscenizował teksty m.in. Moliera, Szekspira, Ibsena, Marivaux, Goldoniego, Labiche’a. Na scenie Teatru Polskiego wyreżyserował spektakl „Szkoła żon” z Anną Cieślak, Andrzejem Sewerynem i Olgierdem Łukaszewiczem w rolach głównych.

     Plakat teatralny

    Plakat teatralny Krol Lear
    Król Lear w przekładzie Stanisława Barańczaka na scenie Teatru Polskiego. W roli głównej  Andrzej Seweryn. Dramat.
  • Cyd

    Cyd

    Rodrigo Díaz de Bivar – Cyd, zwany też Cydem Campeador, żyjący w latach 1030-1099 rycerz kastylijski, wsławił się bojami z Maurami i Katalończykami. Opiewany i podziwiany za życia, po śmierci obrósł w legendę, stając się wzorem rycerstwa, męstwa i wierności za równo w służbie jak i miłości.

    reżyseria: Ivan Alexandre,
    asystentka reżysera: Joanna Grabowiecka
    scenografia: Antoine Fontaine
    kostiumy: Dorota Kołodyńska
    reżyser światła: Piotr Pawlik
    asystent scenografa/tłumacz: Katarzyna Nocuń
    improwizacja muzyczna: Mateusz Szemraj i Michał Pindakiewicz

    Obsada / Aktorzy:

    Szimena – Marta Kurzak
    Elwira, jej towarzyszka – Ewa Makomaska
    Infantka – Afrodyta Weselak
    Leonora, jej towarzyszka – Grażyna Barszczewska
    Roderyk – Paweł Krucz
    Sankty – Wojciech Czerwiński
    Arias – Marcin Kwaśny
    Alonso – Maksymilian Rogacki
    Gomes – Marcin Jędrzejewski
    Diego – Krzysztof Kumor
    Król – Antoni Ostrouch
    Paź – Adrianna Kućmierz

    Muzycy:

    Mateusz Szemraj/Konstanty Szemraj, Michał Pindakiewicz – gitara
    Piotr Gliński/Wojciech Lubertowicz/ Marcin Lemiszewski – perkusja

    Rodrigo Díaz de Bivar – Cyd, zwany też Cydem Campeador, żyjący w latach 1030-1099 rycerz kastylijski, wsławił się bojami z Maurami i Katalończykami. Opiewany i podziwiany za życia, po śmierci obrósł w legendę, stając się wzorem rycerstwa, męstwa i wierności – za równo w służbie jak i miłości.

    Cyd w tragikomedii Corneille’a, spełniając obowiązek wobec rodu i nazwiska, zabija w pojedynku ojca swej ukochanej – don Gomesa. Los nie pozostawia mu wyboru – gdyby tego nie uczynił okryłby się hańbą, podejmując wyzwanie pomścił wprawdzie zniewagę, ale zaryzykował utratę miłości Szimeny, która musiała wybierać między wiernością ukochanemu, a wiernością pamięci ojca.

    Corneille rozwinął ów temat w sposób nowatorski czyniąc podstawowym bohaterem utworu nie czyny, a uczucia i przymioty ducha – z miłością i honorem na czele. Nad rozwój akcji przedłożył możliwość śledzenia wewnętrznych przemian bohaterów, stąd w utworze tak wiele monologów dających szansę na wspaniałe aktorskie kreacje.

    Cyd po raz pierwszy pojawił się na polskiej scenie

    Cyd po raz pierwszy pojawił się na polskiej scenie w tłumaczeniu Jana Morsztyna w roku 1660 w zamojskim teatrze dworskim. Tłumaczenie Morsztyna, choć tak odległe od języka współczesnego, dzięki zachowaniu rytmu i płynności języka oryginału, uważane jest do tej pory za jedno z największych osiągnięć polskiej sztuki translatorskiej. Z tego właśnie tłumaczenia postanowił skorzystać Ivan Alexandre przygotowując kwietniową premierę w Teatrze Polskim.

    Restauracja i adaptacja tekstu

    Restauracji i adaptacji tekstu dokonał na potrzeby tego wystawienia Piotr Kamiński. Kostiumy wzorowane na strojach z epoki projektuje Dorota Kołodyńska. Francuski scenograf Antoine Fontaine pracuje nad scenografią, która w pełni wykorzysta możliwości techniczne dużej sceny Teatru Polskiego. Muzykę skomponuje Antoni Komasa-Łazarkiewicz.

    Najbliższe spektakle: 21 i 22 listopada, 19 i 20 grudnia (2015)

    Fotografia teatralna

    Cyd Teatr Polski 2015

    Cyd Teatr Polski 2015

    Cyd Teatr Polski 2015

    Cyd Teatr Polski 2015
    Cyd Dramat Teatr Polski Reżyser Ivan Alexandre

    Plakat teatralny

    plakat teatralny

  • Zwiastowanie

    Zwiastowanie

     

    Na deskach Teatru Polskiego po raz pierwszy w tym sezonie ZWIASTOWANIE – jeden z najważniejszych francuskich tekstów dramatycznych XX wieku w opracowaniu wybitnego estońskiego reżysera Lembita Petersona.

    Reżyseria: Lembit Peterson
    Dekoracje i kostiumy: Pille Jänes
    Muzyka: Marius Peterson

    Występują: Dominik Łoś, Lidia Sadowa, Jerzy Schejbal, Marta Kurzak, Halina Łabonarska, Tomasz Błasiak, Antoni Ostrouch, Marta Alaborska, Ewa Domańska, Joanna Halinowska

    Anne Vercors, głowa rodziny, zarządca dobrze prosperującego gospodarstwa Combernon, ku zaskoczeniu wszystkich opuszcza dom, by wyruszyć w samotną pielgrzymkę do Jerozolimy. Wiedząc, że może nigdy nie wrócić, oddaje swą starszą córkę Wiolenę, wraz z dorobkiem całego życia, przybranemu synowi Jakubowi Hury. Czy losy rodziny Anne ułożą się tak, jak sobie tego życzył? Czy też Bóg powołał ich do innego życia?

    ZWIASTOWANIE, którego akcja toczy się w średniowiecznej Francji, to poetycka opowieść o naturze wiary, o zaufaniu do Boga i ludzi, a także – o powołaniu, które może odmienić życie, jeśli potrafimy je dostrzec i zaakceptować. Chęć realizacji woli Boga wiąże się w przypadku bohaterów dramatu z rezygnacją z własnych marzeń, planów i tego, co najbardziej kochają.

    Pomysł wystawienia „Zwiastowania” narodził się w 1986 roku, kiedy po raz pierwszy zetknąłem się z tekstem. Kiedy przyjąłem katolicyzm, z zapałem poszukiwałem literatury związanej z moimi nowymi przekonaniami, dzieł autorów chrześcijańskich i przede wszystkim katolickich, inspirowanych, podobnie jak ja, naukami apostołów. Pamiętam, że na początku, wiele zagadnień ze „Zwiastowania” było dla mnie niezrozumiałych, tajemniczych. Wielokrotnie czytaliśmy tekst ze studentami, był gęsty od znaczeń, wywarł na nas bardzo silne wrażenie. Wszyscy słuchali w skupieniu i ciszy, niektórzy płakali. Długo bałem się wystawienia „Zwiastowania”, myślałem, że nie znajdę odpowiednich aktorów (zwłaszcza do roli Piotra z Craon). Mój strach wynikał z wielkiego szacunku, jaki żywiłem wobec wzniosłej, sakralnej tematyki tekstu, ale też obawiałem się reakcji estońskiego społeczeństwa, nie wiedziałem, jak publiczność w Estonii przyjęłaby sztukę.

    Głównym tematem sztuki jest dla mnie boskie powołanie i to, jak ludzie je rozumieją. Wszystkie postaci w dramacie dają świadectwo, że Zbawiciel żyje – to bardzo silne świadectwo, wystawione przez autora poprzez jego bohaterów.

    Lembit Peterson

    teatr polski zwiastowanie

  • Bolesław Śmiały

    Bolesław Śmiały

    Scenariusz: Jacek Popiel
    Reżyseria: Bartosz Zaczykiewicz / Andrzej Seweryn
    Scenografia: Iza Toroniewicz
    Choreografia: Katarzyna Anna Małachowska
    Ruch sceniczny: Katarzyna Anna Małachowska
    Opracowanie muzyczne: Katarzyna Brochocka
    Przygotowanie wokalne: Katarzyna Brochocka
    Asystent reżysera: Przemysław Pawlicki
    Sufler: Małgorzata Ziemak

    Obsada:
    Król : Piotr Cyrwus
    Krasawica : Lidia Sadowa
    Królów Brat : Paweł Krucz
    Sieciech : Dominik Łoś
    Królowa Żona : Małgorzata Lipmann
    Biskup : Krystian Modzelewski
    Strzemion/Cześnik : Wojciech Czerwiński
    Rapsod : Antoni Ostrouch
    Niewierna Żona : Ewa Makomaska
    Wieść (Poświst) : Maksymilian Rogacki
    Dziewka Niewierna : Aleksandra Radwan
    Śmierć : Piotr Bajtlik
    Aktor : Andrzej Seweryn

    Scenariusz BOLESŁAWA ŚMIAŁEGO powstał na podstawie utworów Stanisława Wyspiańskiego: dramatów – „Bolesław Śmiały”, „Skałka”; „Argumentum do dramatu Króla Bolesława i Biskupa Stanisława”; „Not do Bolesława Śmiałego”; rapsodów – „Bolesław Śmiały”, „Święty Stanisław”.

    Inscenizacja BOLESŁAWA ŚMIAŁEGO Bartosza Zaczykiewicza przywraca warszawskim scenom jeden z najwybitniejszych tekstów Stanisława Wyspiańskiego. Spektakl przywołuje tragiczny w skutkach konflikt króla Bolesława Śmiałego i biskupa Stanisława, widziany w kontekście kształtowania się wspólnoty narodowej i polskiej religijności.

    Z historii nie wiadomo właściwie nic.
    Był jakiś spór króla z biskupem…
    Rezultatem tego ostatecznym jest dla nas to, że królestwa nie mamy,
    a na Wawelu ostała się trumna świętego.
    Ani biskupa uniewinniać nie będziemy, ani króla bronić,
    bo to nie byli ludzie mali – nie o małe sprawy walczyli.
    Walczyły dwa duchy, o rzeczy wielkie.

    A każdy Boga niósł na sztandarze…

    Premiera spektaklu 29 stycznia 2014 na Dużej Scenie Teatru Polskiego im. Arnolda Szyfmana w Warszawie.

    Fotografia promocyjna

    bolesławśmiały-teatrpolski

     

    fotografia teatralna Marta Ankiersztejn

    TEATR POLSKI IM. ARNOLDA SZYFMANA W WARSZAWIE
    ul. Karasia 2,
    00-327 Warszawa
    www.teatrpolski.waw.pl

  • Kochanek

    Kochanek

    reżyseria i opracowanie muzyczne: Józef Opalski
    scenografia i kostiumy: Agata Duda-Gracz
    reżyseria światła: Katarzyna Łuszczyk
    asystent reżysera: Michał Kurkowski (PWST)
    konsultacje muzyczne: Bartosz Sałdan
    inspicjent: Agata Schweiger

    OBSADA
    Ona: Dominika Bednarczyk
    On: Grzegorz Mielczarek

    Premiera: 12 lutego 2012, Scena Miniatura.

    „Kochanek” – do prawdy, przez rozdrapywanie ran.

    „Kochanek” to sztuka zaliczana do arcydzieł Harolda Pintera – nieżyjącego już, wybitnego dramatopisarza angielskiego, laureata literackiej Nagrody Nobla z 2005 roku. To misternie skonstruowany, pasjonujący obraz z życia pary małżeńskiej, wikłającej się w niebezpieczną grę w zdradę. Pinter bada w nim granice prawdy i fikcji, dokonując bezwzględnej wiwisekcji rozpadu relacji międzyludzkich. Dzięki rewelacyjnym rolom Dominiki Bednarczyk i Grzegorza Mielczarka oraz surowej stylistyce obranej przez Józefa Opalskiego, spektakl wciąga od pierwszej do ostatniej minuty, nikogo nie pozostawiając obojętnym.

    Spektakl Józefa Opalskiego zdominował 5 Plebiscyt Publiczności Teatru im. Juliusza Słowackiego w Krakowie, zwyciężając we wszystkich jego kategoriach. Dominika Bednarczyk i Grzegorz Mielczarek zostali okrzyknięci kolejno najlepszą aktorką i aktorem, za scenografię doceniono Agatę Dudę-Gracz, laur najlepszego reżysera przypadł Józefowi Opalskiemu. Ostatecznym zwieńczeniem sukcesu okazał się zaszczytny tytuł najlepszego spektaklu roku 2012. Był to pierwszy raz w historii Plebiscytu, kiedy jeden spektakl zebrał wszystkie laury.

    Fotografia

    fotografia teatr goście w Polskim

  • Sen nocy letniej – projekt teatralny

    Niezwykły projekt teatralny już 6 kwietnia na Dużej Scenie Teatru Polskiego im. Arnolda Szyfmana w Warszawie.

    „Sen nocy letniej” został zrealizowany wspólnie z osadzonymi w Zakładzie Karnym w Opolu Lubelskim w ramach projektu Centrum Kultury w Lublinie – Zapaleni.org, którego celem jest zaangażowanie w działania kulturotwórcze i artystyczne osób, które z różnych powodów spotykają się z wykluczeniem społecznym. Działania warsztatowe z udziałem osadzonych prowadzone były od czerwca 2012 roku w specjalnie dobranych zespołach, które zajmowały się przygotowaniem spektaklu. Uczestnikami projektu i aktorami są więźniowie, często z wieloletnimi wyrokami. Część z nich pracowała również nad scenografią do spektaklu.

    Premiera spektaklu odbyła się październiku 2012 roku podczas Festiwalu Konfrontacje Teatralne w Lublinie. Spektakl towarzyszył gali wręczenia Nagrody im. prof. Zbigniewa Hołdy przyznawanej osobom zaangażowanym w ochronę praw człowieka, działaniom na rzecz wykluczonych oraz działalności na rzecz interesu publicznego. W Warszawie odbędzie się jedno przedstawienie.

    W spektaklu oprócz osadzonych występują również zawodowi aktorzy: Dariusz Jeż, Paulina Połowniak, Dorota Porowska, Katarzyna Tadeusz.

    Rezerwacja biletów: 22 826 49 18, 22 826 61 64 rezerwacje@teatrpolski.waw.pl
    (materiał nadesłany)

  • Kroniki sejneńskie w Teatrze Polskim

    Kroniki sejneńskie w Teatrze Polskim

    Pokaz spektaklu odbędzie się 18 marca, o godzinie 19:30 na Scenie Kameralnej Teatru Polskiego.

    Zapraszamy do udziału w pokazie spektaklu „Kroniki sejneńskie”, który odbędzie się w ramach cyklu „GOŚCIE W POLSKIM”.

    Premiera spektaklu odbyła się w listopadzie 1999 roku. Od tamtej pory już trzecie pokolenie młodych ludzi uczestniczy w twórczej przygodzie, podczas której na nowo próbuje odczytać swoje miasto, znajdując w nim miejsce na przeszłość i dzień dzisiejszy. Buduje tę opowieść, która daje nowe imię ich miejscu zamieszkiwania, tworząc współczesny mit pogranicza, w którym każdy jest u siebie w domu – niezależnie od różnic narodowych czy religijnych – i czuje się spadkobiercą wielokulturowego dziedzictwa.

    W zajęciach pracowni „Kronik sejneńskich” zawsze biorą udział dzieci i młodzież różnych narodowości i wyznań – Polacy, Litwini i staroobrzędowcy. Ważne jest to, że historie sejneńskie opowiadane przez kolejną grupę młodych ludzi wnoszą do spektaklu nowe opowieści o swoich rodzinach i sąsiadach. Sam spektakl adresowany jest zarówno do młodzieży jak i dorosłych. Prezentowany był w wielu miastach Polski, m.in. na Międzynarodowym Festiwalu Malta w Poznaniu (2002), w Bośni, na Litwie, w Niemczech i Danii. W kwietniu 2008 roku spektakl pokazywany był przez dwa tygodnie w Teatrze La MaMa w Nowym Jorku.

    Pięć lat obcowania z miastem. Krzątanina wokół niego, wsłuchiwanie się w jego rytm, gwar, muzyczność. I wielki dar ofiarowany przez pokolenie najstarszych, odchodzących mieszkańców – opowieść o ich życiu – pozostaje.

    „Kroniki sejneńskie” jako przedsięwzięcie artystyczno-edukacyjne zainicjowane zostało w 1999 roku. Jest to kolejny etap długofalowej pracy Ośrodka „Pogranicze – sztuk, kultur, narodów” z dziećmi i młodzieżą, gdzie w twórczy sposób młodzi ludzie próbują odpowiedzieć na pytanie, jak dziedzictwo kulturowe uczynić wartością żywą dla młodego pokolenia.

    Jak pamięć, wspólną historię, świadomość dziedzictwa kulturowego wdrożyć w krwioobieg młodych mieszkańców tej ziemi, jak zabrać ich razem w twórczą przygodę odkrywania własnej historii – miasta, regionu, rodziny, jaki język znaleźć do opowiadania tejże historii?

    Jak budowanie tożsamości kulturowej w takim wymiarze zorientować na kulturę rodzinno-domową, dziedzictwo przodków, zakorzenienie, a przede wszystkim, jak budować poczucie swojskości w swej „małej ojczyźnie”?

    Te pytania to swoisty klucz do wędrówek, który pozwoli młodemu pokoleniu zrozumieć całą złożoność dziedzictwa kulturowego miejsca, by stało się ono nie tylko zbiorem nazwisk i oderwanych od siebie pojęć, a zadomowiło się w ich sercach jako szeroko pojmowana wielokulturowość.

    Sejny

    to miasteczko niedaleko granicy polsko-litewskiej. Mieszkają w nim Polacy, Litwini i Rosjanie staroobrzędowcy, a przed drugą wojną światową żyli tu również Żydzi, Cyganie, Niemcy, Białorusini i Tatarzy. Ciekawy jest – zamieszczony w „Tygodniku Ilustrowanym” z 1913 roku – rys statystyczny dotyczący mieszkańców Sejn. Odnotowuje on, że „Sejny liczą 3493 mieszkańców. Z tego przypada na Polaków – 1345, Litwinów – 144, Rosjan – 119, Niemców – 93, Tatarów – 5, Żydów – 1787, Hiszpanów – 1”.

    To miasto dramatycznie doświadczone – szczególnie w XX wieku – konfliktami, tragediami i sąsiedzkimi wojnami. Wielokulturowa wspólnota, z tradycjami dobrego sąsiedztwa, wzajemnego szacunku, uległa rozbiciu. Bolesny fakt, iż wytworzyła się i pielęgnowana jest pamięć złej historii, natomiast wszelkie przykłady dobrego sąsiedztwa bądź uległy zapomnieniu, bądź z rzadka są przywoływane.

    Pokaz spektaklu odbędzie się 18 marca, o godzinie 19:30 na Scenie Kameralnej Teatru Polskiego.

    Zapraszamy do rezerwowania biletów pod numerem telefonu 22 826 49 18 lub pod adresem rezerwacje@teatrpolski.waw.pl

     

    Fotografia

    teatr polski fotografia

    teatr polski fotografia

    Więcej o projekcie

    na stronie: Pracownia Kronik Sejneńskich

  • Irydion

    Irydion

    Autor:Zygmunt Krasiński
    Adaptacja: Andrzej Seweryn
    Reżyseria: Andrzej Seweryn
    Scenografia: Magdalena Maciejewska
    Kostiumy: Dorota Kołodyńska
    Muzyka: Olo Walicki
    Reżyseria światła: Jacqueline Sobiszewski
    Ruch sceniczny: Leszek Bzdyl
    Asystent reżysera: Anna Skuratowicz
    Asystent scenografa: Maja Skrzypek
    Inspicjent: Katarzyna Bocianiak
    Sufler: Ewa OwsiakRówno 100 lat po pierwszej premierze na deskach Teatru Polskiego Andrzej Seweryn mierzy się, tak jak w 1913 roku Arnold Szyfman, z tekstem Zygmunta Krasińskiego. Wybierając „Irydiona” na inaugurację założonego przez siebie teatru Szyfman wskazywał kierunek swojego myślenia o teatrze i repertuarze.

    Andrzej Seweryn, wracając w roku jubileuszowym do tekstu Krasińskiego, nawiązuje do najgłębszych tradycji Teatru Polskiego, a jednocześnie zadaje pytanie jaką drogę przebył teatr przez ostatnich sto lat? Który z licznych tematów dramatu Krasińskiego pozostaje bliski współczesnemu widzowi i może go poruszyć? W jakiej formie należy przedstawić dziś „Irydiona”, żeby był on czytelny dla widza w 2013 roku?

    Odpowiedzią na te pytania jest całkowicie nowa adaptacja autorstwa reżysera, w której buduje dramat wokół aktualnego tematu zemsty. Tematu trudnego, zwłaszcza kiedy zemsta staje się nie tylko pokusą, a obowiązkiem…

    Rolę Irydiona reżyser powierzył Krzysztofowi Kwiatkowskiemu, któremu partnerują gwiazdy Teatru Polskiego, m.in. Anna Cieślak, Olgierd Łukaszewicz, Jerzy Schejbal.

    Do współpracy przy spektaklu Andrzej Seweryn zaprosił uznanych artystów: Dorotę Kołodyńską (kostiumy), Magdalenę Maciejewską (scenografia), Jacqueline Sobiszewski (światła) i Jagę Hupało (stylizacja fryzur) Ola Walickiego (muzyka), dzięki którym starożytny Rzym wyda się widzom bliższy niż kiedykolwiek wcześniej.

    W sprzedaży są jeszcze ostatnie bilety na II premierę spektaklu „Irydion” w reżyserii Andrzeja Seweryna, która odbędzie się na Dużej Scenie Teatru Polskiego w dniu 30 stycznia 2013 roku.

    Kolejne pokazy „Irydiona” odbędą się w terminach:
    31 stycznia
    2, 3, 16, 17 lutego
    oraz 27 marca.

    Do zobaczenia w Teatrze Polskim!

    Plakat teatralny

    plakat teatralny

  • Wieczór piosenek Brassensa

    Wieczór piosenek Brassensa

    WIECZÓR PIOSENEK BRASSENSA – KONCERT

    aktorzy
    IZABELLA BUKOWSKA
    MAGDALENA SMALARA / ŁUCJA ŻARNECKA
    WOJCIECH CZERWIŃSKI
    muzycy
    KLAUDIUSZ BARAN / RAFAŁ GRZĄKA – akordeon
    ŁUKASZ BOROWIECKI / KONRAD KUBICKI – kontrabas
    scenariusz
    FILIP ŁOBODZIŃSKI
    kierownictwo muzyczne
    URSZULA BORKOWSKA

    Spektakl przygotowany w ramach Sceny Inicjatyw Aktorskich
    PREMIERA 27 STYCZNIA 2008 ROKU

    GEORGES BRASSENS (1921 – 1981)

    – poeta, kompozytor, interpretator, był jednym z najwybitniejszych twórców francuskiej piosenki poetyckiej. Niechęć do państwa i jego instytucji jest jednym z dominujących tematów jego poezji. Z niespotykaną wcześniej brutalnością, językiem ocierającym się o potoczność, ośmiesza policję, wojsko, wymiar sprawiedliwości, pruderię i zakłamanie społeczne, konsumpcyjny styl życia i postępująca technicyzację.

    Hipokryzji i fałszywej moralności przeciwstawia szczerość, nonkonformizm życiowych wyborów i prawdziwe uczucia, z cenioną przez niego najwyżej przyjaźnią. Bohaterami jego utworów są często ludzie z półświatka: drobne złodziejaszki, prostytutki, „niebieskie ptaki”, których obdarzył wielką wrażliwością i własnymi poglądami na świat i życie. Poezję

    Brassensa cechuje bogactwo języka, finezja rymów i kunsztowna wersyfikacja. Dla kontrastu muzyka jest prosta, pozbawiona patosu…

    W programie wieczoru:

    • Zła opinia
    • Król
    • Piosenka dla starego wieśniaka
    • Jestem mały miś
    • Pogrom
    • Goryl
    • Niemal
    • wszystkie
    • Naga kąpała się w toni
    • Dzielna Margot
    • Morderstwo
    • Zakochani na ławkach
    • Cena sławy
    • Liczba mnoga

    Fotografie

  • Szewcy

    Szewcy

    Stanisław Ignacy Witkiewicz
    SZEWCY – NAUKOWA SZTUKA ZE „ŚPIEWKAMI” W TRZECH AKTACH
    (blogteatralny)

    reżyseria MACIEJ PRUS
    scenografia MARCIN JARNUSZKIEWICZ
    muzyka AGATA ZUBEL
    aktorzy
    KATARZYNA STANISŁAWSKA, JOANNA VOSS
    TOMASZ BORKOWSKI, PIOTR BRZEZIŃSKI
    WOJCIECH CZERWIŃSKI, ARKADIUSZ GŁOGOWSKI
    MARCIN JĘDRZEJEWSKI
    OLGIERD ŁUKASZEWICZ, ANTONI OSTROUCH
    ARTUR PONTEK

    Premiera 7 listopada 2009 roku

    Dramat Szewcy jest ostatnim zachowanym, ale pewnie nie ostatnim napisanym dramatem Witkacego. Należy do jego najlepszych dzieł, jeśli nie do najlepszych dramatów napisanych w języku polskim w ogóle. Jest sztuką o szczególnej wadze, produktem twórczości dojrzałego autora, dojrzałego i ciężko doświadczonego człowieka. Jest dziełem bardzo polskim i bardzo uniwersalnym, satyrą na Polskę i Europę lat minionych, ale jak się okazuje, i obecnych. Jest bardzo gorzką diagnozą i prognozą stanu upadającej ludzkości.

    Czas heroicznych bohaterów przeminął bezpowrotnie, świat jakim go znaliśmy poszedł do diabła, a ludzkość zeszła na psy… dosłownie – niczym prokurator Scurvy przemieniający się w trzecim akcie w psa o ludzkiej psychice i świadomości.

    Spektakl Szewcy w Teatrze Polskim w Warszawie - fotografia

    I co dalej? Zdaniem Witkacego osobniki twórcze (schizoidzi) wśród mężczyzn giną, wśród kobiet przeciwnie, mnożą się – „mężczyźni babieją – kobiety en masse mężczyźnieją” i przejmą role męskie w społeczeństwie przyszłości – teraźniejszości… ? Co nastąpi potem… trudne jest do wyobrażenia i do wyrażenia. To jeden z powodów, dla których Witkacy nie kończy swojego dramatu, a bieg jego akcji gwałtownie przerywa…


  • DULSCY Z O.O.

    DULSCY Z O.O.

    (blogteatralny)

    Reżyseria:
    Marta Ogrodzińska
    Dekoracje i kostiumy:
    Diana Marszałek
    Julia Skrzynecka
    Muzyka:
    Bartosz Chajdecki
    Serwis fotograficzny:
    Stefan Okołowicz
    Wystepują:
    Pani Dulska: Grażyna Barszczewska
    Pan Dulski: Bogdan Potocki
    Zbyszko: Tomasz Borkowski
    Mela: Iza Kała
    Hesia: Katarzyna Glinka
    Juliasiewiczowa: Iza Kuna
    Hanka: Anna Grycewicz

    Czy żyjemy w kraju „40 milionów kołtunów”, w którym z pokolenia na pokolenie przekazujemy sobie „dulszczyznę”, niczym chorobę genetyczną? Zgadzamy się na to? Wszyscy, czy tylko niektórzy? Przekażemy ją dalej?

    Ponad sto lat od prapremierowego wystawienia Moralności Pani Dulskiej pytania Gabrieli Zapolskiej są nadal aktualne. A odpowiedzi bolesne. Niejednoznaczne. Albo nie istnieją.

    „DULSKA: Gdy patrzę na ciebie,
    To chwilami wierzyć mi się nie chce, że jesteś moim dzieckiem.
    ZBYSZKO: Jestem, mamciu! Jestem, niestety!
    I to właśnie cała moja tragedia…”

    Akt I scena 2

    Fotografia teatralna: Stefan Okołowicz

  • Do Amsterdamu. Wieczór piosenek J. Brela

    Do Amsterdamu. Wieczór piosenek J. Brela

    (blogteatralny)

    Teksty piosenek:
    Jacques Brel
    Muzyka:
    Jacques Brel
    Reżyseria:
    Adam Biernacki
    opracowanie muzyczne:
    Urszula Borkowska
    Ruch sceniczny:
    Katarzyna Anna Małachowska
    Osoby
    śpiew: Izabella Bukowska
    śpiew: Piotr Bajtlik
    śpiew: Wojciech Czerwiński
    fortepian: Urszula Borkowska
    fortepian: Mateusz Dębski
    akordeon: Klaudiusz Baran
    akordeon: Rafał Grząka
    kontrabas: Konrad Kubicki
    kontrabas: Wojciech Gumiński

    „Do Amsterdamu. Piosenki Jacquesa Brela” to spektakl muzyczny, który opowiada fabularną historię trojga bohaterów: kobiety – beznadziejnie oczekującej na powrót swojego ukochanego (Izabella Bukowska), księdza – wątpiącego w swoje powołanie (Piotr Bajtlik) oraz mężczyzny – nieporadnego rogacza (Wojciech Czerwiński). To właśnie oni decydują się porzucić dotychczasowe pełne rozczarowań życie i wyjechać do wymarzonego miasta wolności. Do Amsterdamu… gdzie w każdej z knajp czeka obrus wielki jak świat, a marynarze piją piwo i klną.”

    Do Amsterdamu to opowieść o podróży po autentyczność, o próbie uwolnienia się od krępujących nas schematów, o otaczających nas absurdach. O tym, że warto ryzykować, choćby za cenę gorzkich rozczarowań. Bo Amsterdam to także miejsce, gdzie wolność prowadzi do zguby, a skrzydła rosną po to, by wzlecieć tam, „skąd się pluje na świat i na port Amsterdam”

    Wśród wybranych piosenek Jacquesa Brela znalazły się utwory w tłumaczeniu: Wojciecha Młynarskiego, Jerzego Menela, Dariusza Wasilewskiego, Józefa Opalskiego i Romana Kołakowskiego.


    foto Teatr Polski

    Posłuchaj fragmentu – Do_Amsterdamu_spot.mp3

  • Pinokio

    Pinokio

    Pinokio
    Carlo Collodi

    (blogteatralny)

    Adaptacja i reżyseria :
    Jarosław Kilian
    Muzyka:
    Grzegorz Turnau
    Choreografia:
    Katarzyna Anna Małachowska
    Kierownictwo muzyczne:
    Urszula Borkowska
    Przygotowanie wokalne:
    Anna Chmielarz
    Serwis fotograficzny:
    Magda Kuc
    Osoby
    Pinokio:
    Piotr Bajtlik
    Gepetto:
    Adam Bauman
    Ryszard Nawrocki
    Majster Wisienka:
    Arkadiusz Głogowski
    Świerszcz gadający:
    Katarzyna Stanisławska
    Ogniojad: Marcin Jędrzejewski
    Lis: Dominik Łoś
    Kot: Maksymilian Rogacki
    Wróżka: Izabella Bukowska
    Kruk: Bogdan Potocki
    Sowa: Agnieszka Sztuk
    Knot: Artur Pontek
    Woźnica: Arkadiusz Głogowski
    Dyrektor cyrku: Krzysztof Kumor
    Colombina : Magdalena Smalara
    Arlekin: Paweł Koślik
    Pantalone: Arkadiusz Głogowski
    Zerlina, Pierrot: Iza Kała
    Rozaura: Agnieszka Sztuk
    Uczennice i uczniowie: Iza Kała, Magdalena Smalara, Agnieszka Sztuk, Paweł Koślik, Dominik Łoś, Maksymilian Rogacki
    Clowni: Iza Kała, Magdalena Smalara, Agnieszka Sztuk, Adam Bauman, Paweł Koślik
    Karabinierzy: Marcin Jędrzejewski, Artur Pontek

    Pinokio! Znany jest od pokoleń wszystkim dzieciom całego świata. Przypowieść Collodiego to najsławniejsza i najpiękniejsza chyba historia ze skarbca opowieści o prawdziwym życiu ludzików stworzonych ręką ludzką, a pochodzących z rodziny zabawek albo lalek teatralnych.

    Baśń Collodiego jest historią o poszukiwaniu człowieczeństwa. Opowieścią o tym jak chłopiec z drewna, pajacyk z wiórów i deseczek zamienia się w prawdziwego chłopca.
    Niewdzięcznik, łobuziak, leń Pinokio jest cudownie zabawny i tragiczny w swoich zmaganiach z własną naturą o to, by być dobrym.

    Pinokio
    Pinokio w Teatrze Polskim

    więcej o przedstawieniu Pinokio na oficjalnej stronie teatru: Teatr Polski

    Fotografia teatralna: Magda Kuc

  • Tramwaj

    premiera: 12.03.2010
    Tramwaj
    Tennessee Williams

    Reżyseria:
    Krzysztof Warlikowski

    Spektakl według Tramwaju zwanego pożądaniem Tennessee Williamsa. Théâtre de l’Odéon w Paryżu / Nowy Teatr w Warszawie
    (blogteatralny)

    reżyseria: Krzysztof Warlikowski
    przekład:
    Wajdi Mouawad
    adaptacja:
    Krzysztof Warlikowski, Wajdi Mouawad, Piotr Gruszczyński
    dramaturgia:
    Piotr Gruszczyński
    scenografia i kostiumy:
    Małgorzata Szczęśniak
    światło:
    Felice Ross
    muzyka:
    Paweł Mykietyn
    projekcje video:
    Denis Guéguin
    piosenki w wykonaniu:
    Renate Jett
    muzyka w wykonaniu zespołu w składzie:
    Paweł Mykietyn (fortepian, klarnet basowy, syntetyzator)
    Adam Walicki (gitara elektryczna)
    Paweł Bomert (gitara basowa)
    Kornel Jasiński (kontrabas)
    Piotr Maślanka (perkusja)
    obsada:
    Blanche Dubois – Isabelle Huppert
    Stanley Kowalski – Andrzej Chyra
    Stella – Florence Thomassin
    Mitch – Yann Collette
    Eunice – Renate Jett
    Chłopak – Cristian Soto