Kategoria: Przedstawienia teatralne

Przedstawienia, spektakle, widowiska.

  • Opowiadanie brazylijskie

    Opowiadanie brazylijskie

    Opowiadanie brazylijskie według Jarosława Iwaszkiewicza
    prapremiera: 28 marca 2015

    adaptacja i reżyseria: Marcin Hycnar
    scenografia: Agnieszka Zawadowska
    muzyka: Michał Lamża
    ruch sceniczny: Liwia Bargieł
    reżyseria światła: Jacqueline Sobiszewski
    asystentka reżysera: Agata Zdziebłowska
    realizatorzy dźwięku: Marcin Kotwa, Maciej Rybicki
    realizatorzy światła: Adam Kalka, Dariusz Wieczorek
    realizatorzy wideo: Mariusz Chałubek, Paweł Woźniak
    inspicjentka / suflerka: Ewa Dworecka

    występują:
    Aleksandra Justa (Pani Klara Bohdanowicz)
    Tomasz Sapryk (Pan Henryk Bohadanowicz)
    Milena Suszyńska (Lilka)
    Paulina Korthals (Madzia)
    Paulina Szostak (Zosia)
    Joanna Gryga (Julia)
    Jerzy Radziwiłowicz (Pan Aldous Howard)
    Kinga Ilgner (Pani Evellyn Howard)
    Anna Ułas (Nair)
    Karol Dziuba (Leon)
    Kamil Mrożek (Zbyszek)
    Robert Jarociński (Porucznik Dzióbek)
    Oskar Hamerski (Floris Van der Vliedt)
    Edyta Olszówka (Dora)
    Jacek Mikołajczak (Mila)

    Prapremiera w sezonie 2014/2015:
    Opowiadanie brazylijskie według Jarosława Iwaszkiewicza
    w adaptacji i reżyserii Marcina Hycnara
    scena przy Wierzbowej im. Jerzego Grzegorzewskiego, 28 marca, godz. 19.30

    Marcin Hycnar po raz pierwszy reżyseruje na narodowej scenie. Przygotowuje prapremierę Opowiadania brazylijskiego Jarosława Iwaszkiewicza, opowieść o życiu polskich emigrantów w Brazylii.

    „Najbardziej interesuje mnie zderzenie człowieka z człowiekiem” – przyznaje reżyser. Koncentruje się na pracy z aktorami, którzy kreślą wielowymiarowe portrety ludzi poddanych silnym emocjom, nagle rozbudzonym pragnieniom i namiętnościom. Niektóre z tych doznań są racjonalizowane, inne – nieledwie uświadamiane. „Opowiadanie brazylijskie – mówi Marcin Hycnar – jest intrygującą historią o ludziach, którzy nie są zbytnio usatysfakcjonowani życiem, za czymś tęsknią. Poza tym ‘zaplątują się’ w relacje z innymi i te związki są zazwyczaj skazane na niepowodzenie. Każdy z nich próbuje być szczęśliwy na swój sposób, czasem to się udaje… na chwilę.” W przedstawieniu odnajdziemy odwołania do nastroju czechowowskich dramatów, a także do bohaterów sztuk rosyjskiego autora, z ich tęsknotami, marzeniami i niespełnieniami.

    Równocześnie na scenie przy Wierzbowej ujawni się obraz wielokulturowej społeczności i kipiąca energią, pulsująca kolorami, upalna Brazylia. Rzecz rozgrywa się w domu położonym na plaży Calatrava w starej portugalskiej dzielnicy Rio de Janeiro. „Ten świat jest naznaczony ogromną intensywnością – zapachów, smaków, widoków, niespotykanym, osobliwym klimatem, a także pewną dusznością. To wszystko powoduje, że w ludziach uruchamiają się na co dzień skrywane pragnienia, marzenia, małe i wielkie ochoty” – mówi reżyser.

    W przedstawieniu występują Aleksandra Justa jako Pani Klara Bohdanowicz (nauczycielka języka angielskiego) i Tomasz Sapryk jako Pan Henryk Bohdanowicz (inżynier). Role ich córek grają: Milena Suszyńska – Lilka, Paulina Korthals – Madzia, Paulina Szostak – Zosia. Julią, wychowanicą państwa Bohdanowiczów i służącą jest Joanna Gryga, małżeństwo pochodzących z Anglii Howardów to Jerzy Radziwiłowicz – Pan Aldous Howard i Kinga Ilgner – Pani Evellyn Howard. W rolę czarnoskórej służącej Nair wciela się Anna Ułas. Marynarze polskiego statku „Popiel II” to Leon, którego gra Karol Dziuba, Zbyszek, w tej roli Kamil Mrożek, a także oficer statku, Porucznik Dzióbek – Robert Jarociński. Oskar Hamerski występuje w roli pochodzącego z Holandii malarza Florisa Van der Vliedta, jego żonę Dorę gra Edyta Olszówka, a Milę, przyjaciela Bohdanowiczów z czasów ich pobytu w Peru – Jacek Mikołajczak.

    Fotografia teatralna

    brak

  • hamlet

    hamlet

    Obsada:

    hamlet – Piotr Polak
    ofelia- Agnieszka Roszkowska
    rosenkrantz – Tomasz Tyndyk
    guildenstern – Piotr Żurawski
    Laertes – Dobromir Dymecki
    Klaudiusz – Mateusz Król
    Gertruda – Iwona Bielska
    Poloniusz – Krzysztof Dracz
    Twórcy:

    adaptacja i reżyseria: Joanna Drozda
    kostiumy, scenografia i światła: Łukasz Błażejewski
    wideo: Wojtek Kaniewski
    muzyka i teksty piosenek: Daniel Pigoński
    koordynacja prac artystycznych: Marzena Wasyluk
    producent: Tomasz Karolak, Wojciech Michałowski
    produkcja: Katarzyna Czynszak

    HAMLET – PREMIERA W TEATRZE IMKA – 9 KWIETNIA 2015

    Konflikt na linii kultury i władzy to jeden z wątków “hamleta” w adaptacji i reżyserii Joanny Drozdy, którego premiera zaplanowana jest w Teatrze IMKA na 9 kwietnia 2015r.

    W obsadzie zobaczymy m.in.: Piotra Polaka – w roli tytułowej, Iwonę Bielską oraz Krzysztofa Dracza. Kostiumy i scenografię zaprojektował Łukasz Błażejewski, projekcja wideo – Wojtek Kaniewski, muzyka i teksty piosenek – Daniel Pigoński.

     – Wystawiam ”hamleta” według szekspirowskiej tragedii, hamleta przez małe “h”, bo główny bohater, spadkobierca królestwa, syn wielkiego i zasłużonego ojca Hamleta, szuka dla siebie nowej drogi, wbrew rodzinnemu dziedzictwu. hamlet to artysta-kamikadze. Nie uznaje kompromisów. Nienawidzi sytuacji, w której przedstawiciele władzy traktują obywateli jak bezmyślną masę, kształtowaną za pomocą mass mediów. Mediów, które nieustannie penetrują nasze życie, są obecne w naszych domach i próbują nas zmanipulować, skolonizować, zwasalizować. Nie używają przemocy, ale są niebezpieczne jak dawne tyranie – mówi reżyserka Joanna Drozda – Młody hamlet na to się nie godzi. Chcę to pokazać. Dlatego spektakl rozgrywa się w mediach i w teatrze.

    W szekspirowskiej tragedii odbija się również współczesna rodzina.
    – To opowieść o różnicach pokoleniowych i naszych rodzinach – mówi Joanna Drozda. – O naszych matkach, które poświeciły swoje życie, decydując się pozostać w domu jako opiekunki i ozdoby swoich mężów. O naszych ojcach, którzy zabiegając o nasz dobrobyt i naszą przyszłość – nie byli z nami. I wreszcie o nas, młodych ludziach, wierzących, że może być inaczej, lepiej, bo przecież każdy chce przejść przez życie w indywidualny, wyjątkowy sposób. Nie trzeba być artystą, żeby utożsamić się z naszym hamletem.

    Spektakl można zobaczyć w Teatrze IMKA 10 i 11 kwietnia o godz. 19:00.

    Plakat teatralny

    hamlet imka

  • Passion/Pasja

    Passion/Pasja

    Passion/Pasja – o tym, dlaczego prostota i piękno mogą prowadzić ku wieczności

    Pasja to subiektywna impresja Piotra na temat tego, co to znaczy być artystą. Hull skupił się na dylematach odwiecznie towarzyszącym każdemu twórcy – oddać się procesowi twórczemu, czy dążyć do spełnienia? Gdzie poszukiwać klucza do nieśmiertelności? Czy pasja może być eskapistyczną drogą do wieczności?

    Piotr Hull oraz Martyna Iwańska – współ-reżyserka spektaklu, autorka znakomitego Video-Artu „Wieczność” stanowiącego integralną część przedsięwzięcia, odpowiadali na te pytania podczas 7 części składających się na spektakl: Początku, Ciszy, Pustki, Wnętrza, Serca, Wieczności oraz Zakończenia. Towarzyszyły im w tym fenomenalne gwizdy spektaklu: m.in soliści Polskiego Baletu Narodowego – Aleksandra Liashenko i Paweł Koncewoj, aktorki Marieta Żukowska i Agnieszka Żulewska oraz ceniony za kompozycje do filmów Paweł Lucewicz.

    Passion to już drugi spektakl, w którym Hull godzi ze sobą teatr, balet, muzykę na żywo, video-art, performance oraz… pokaz fryzjerskiego rzemiosła. Rok temu zadebiutował na deskach Teatru Wielkiego ze spektaklem Adicction, usiłującym rozstrzygnąć wszechobecny spór o piękno. Czym Passion różniło się od Addiction? Jak mówi sam producent: „Przede wszystkim, różnica polega na proporcji sztuki do rzemiosła. Addiction był pokazem fryzjerskim, z elementami spektaklu. Pasja to interdyscyplinarny spektakl, z elementami fryzjerstwa. Dla mnie to dwa bardzo różne projekty. Przy ostatnim przedsięwzięciu punkt ciężkości oparliśmy na sztuce – scenariusz, próby artystyczne, sale baletowa… Godziny przygotowań, nauki i setki odebranych lekcji pokory – tym razem zdecydowana większość elementów (poza fryzjerstwem) była dla mnie nowością!”
    Sądząc po efektach, a także po głosach osobistości zebranych na widowni, wśród nich Krzysztofa Materny – mentora Piotra Hulla, Łukasza Maciejewskiego, Romy Gąsiorowskiej, czy Kamilli Baar – to dopiero przedsmak możliwości wydawcy Żurnala! Hull zaraził swoją Pasją wszystkich zebranych. Przekaz był minimalistyczny, oszczędny w środkach ekspresji, wiele rozgrywało się między słowami… A przy tym wszystko – od stonowanej scenografii, przez kostiumy, oszczędną grę aktorską i sensualną choreografię baletową – było tak bezpretensjonalnie piękne.

    „Prostota i piękno – tych środków wyrazu poszukiwałem” – uśmiecha się Piotr Hull. „Chciałem udowodnić, że przesyt w teatrze jest zbędny. Czysta forma, niemal monochromatyczny obraz… Zależało mi na tym, by dotknąć wnętrza odbiorcy w każdym calu. Temu służyły starannie dobrane muzyka, słowo, ciało, ruch, emocje. Chcieliśmy zbliżyć się do piękna w czystej postaci”.

    Zaskakujący był finał spektaklu. Na scenie, wraz z twórcami, aktorkami, tancerzami, modelkami i artystami fryzjerskiego rzemiosła, pojawiły się wszystkie osoby związane z przedsięwzięciem – od instrumentalistów i muzyków, przez grafika, oświetleniowców i zespół PR, po asystentów fryzjerów i ekipę techniczną. „Stworzyliśmy zespół” mówi Hull. „Każda osoba miała swój wkład, każda energia przyczyniła się do nagromadzenia całokształtu pozytywnych emocji towarzyszących Pasji. Nie wyobrażałem sobie, że mógłbym kogokolwiek pominąć…”

    Pasja za nami. Goście Piotra Hulla oraz Ci, którym nie udało się dotrzeć na spektakl, powtarzają niemal unisono: „Dlaczego to przedsięwzięcie jest jednorazowe? Kiedy znów będzie można je zobaczyć?” Magia Pasji polega na tym, że jest unikatem – w tej formie nie powróci nigdy. A jednocześnie – projekt na tę skale, z tak pozytywnym odbiorem, tylko zaostrzył apetyt Piotra Hulla. Pytany – co teraz?, odpowiada: „Realizacja kolejnych marzeń. Chciałbym mieć możliwość obcować z pięknem częściej, móc dzielić się nim z innymi, bez żadnych ograniczeń. Teatr okazał się optymalnym środkiem wyrazu, a do tego – moim uzależnieniem. Nie zamierzam iść na odwyk :)”

    Zapis spektaklu. Video. Film. Passion/Pasja można obejrzeć w internecie:
    http://new.livestream.com/accounts/8514298
    Teaser video-artu jest dostępny pod linkiem:
    https://vimeo.com/122752153

    Galeria fotograficzna

     

    Światło. Pasja w Teatrze Wielkim Opera Narodowa Balet. Oświetlenie. Pasja w Teatrze Wielkim Opera Narodowa Realizacja wizji. Pasja w Teatrze Wielkim Opera Narodowa Pasja w Teatrze Wielkim Opera Narodowa Projekcje video. Pasja w Teatrze Wielkim Opera Narodowa Oświetlenie. Pasja w Teatrze Wielkim Opera Narodowa
    Aktorka Teatr Wielki

    Grafika promocyjna. Plakat

    Sesja zdjęciowa. Teatr Wielki Warszawa.

    Sesja Fotograficzna Plakat

  • Ruchele wychodzi za mąż

    Ruchele wychodzi za mąż

    Ruchele wychodzi za mąż

    Reżyseria: Jacek Papis
    Tekst: Savyon Liebrecht
    Przekład: Michał Sobelman
    Scenografia: Alicja Kokosińska
    Kostiumy: Diana Szawłowska
    Muzyka: Hanna Klepacka
    asystent kompozytorki: Ryszard Lubieniecki
    Asystentka reżysera: Paulina Lombarowicz

    Obsada:
    Joanna Rzączyńska/Ewa Greś – Ruchele
    Małgorzata Trybalska – Lea
    Marcin Błaszak – Arele
    Stanisław Brudny – Szlojme (gościnnie)
    Włodzimierz Press – Staszek (gościnnie)

    Savyon Liebrecht opowiada uniwersalną historię o pamięci i przebaczeniu, konflikcie pokoleń, który wynika z odmiennego stosunku rodziców i dzieci do historii i przeszłości. Autorka pokazuje, że przepracowanie wojennej traumy staje się niemożliwe z powodu braku odpowiedniego języka, zaś grzechy dorosłych stają się grzechami także młodego pokolenia.

    Ruchele, tytułowa bohaterka dramatu, po latach samotności znajduje wreszcie mężczyznę swojego życia i ma zamiar wyjść za niego za mąż. Niespodziewanie na drodze do szczęścia staje tajemnica z odległej przeszłości… To bardzo kameralna historia, rozpisana na pięciu protagonistów, która mówi o tym, że nie możemy uciec od demonów przeszłości, ale musimy odważnie się z nimi zmierzyć. Mimo osadzenia w realiach współczesnego Izraela ma niezwykle uniwersalny wymiar.

    Ruchele wychodzi za mąż według dramatu Savyon Liebrecht w reżyserii Jacka Papisa. Spektakl został dobrze przyjęty zarówno przez krytyków, doceniających nietypowy sposób podjęcia trudnego tematu tematu pamięci i przebaczenia, jak i publiczność, zachwyconą kreacją gościnnie występującego Stanisława Brudnego.

    Czas trwania: 2 h (z przerwą)
    Język spektaklu: polski
    Miejsce: Teatr Żydowski im. Estery Rachel i Idy Kamińskich – Centrum Kultury Jidysz, Warszawa, Plac Grzybowski 12/16
    Strona www: http://www.teatr-zydowski.art.pl/spektakl/ruchele-wychodzi-za-maz
    Premiera: 9 stycznia 2015 r.

    Galeria fotograficzna. Marta Kuśmierz.

    Dokumentacja fotograficzna, zdjęcia

    Fotografia

    Zdjęcie

    Foto

    Dokumentacja fotograficzna, zdjęcia

    Zdjęcia ze spektakli

    Aktorzy na scenie

    Aktorzy

    Dokumentacja fotograficzna, zdjęcia

    Dokumentacja fotograficzna, zdjęcia

    Ruchele

    Ruchele wychodzi za mąż

    Ruchele wychodzi za mąż

    Dokumentacja fotograficzna, zdjęcia

    Dokumentacja fotograficzna, zdjęcia

    Plakat teatralny

    plakat teatralny

    Galeria postaci

  • O dwóch takich co ukradli księżyc

    O dwóch takich co ukradli księżyc

    Musical familijny

    Najnowsza premiera Sceny Dziecięco-Młodzieżowej. Musical familijny „O dwóch takich co ukradli księżyc” to muzyczna interpretacja książki Kornela Makuszyńskiego w adaptacji i reżyserii Cezarego Domagały. Wspólnie z autorem muzyki Tomaszem Bajerskim stworzył barwną muzyczną opowieść o przygodach niesfornych, a nawet złośliwych bliźniaków z „ miasteczka o skromnej nazwie Zapiecek”, którzy opuścili rodzinne strony w poszukiwaniu bogactwa i szczęścia nie związanego jednak z uczciwą pracą… Zawarte w musicalu 23 mądre a jednocześnie zabawne piosenki idealnie oddają przesłanie Makuszyńskiego. Przypominają o tym, co jest w życiu ważne, co doceniamy dopiero w kontekście braku, ile musimy sami doświadczyć, aby zrozumieć prawdy oczywiste i podkreślają, że miłość matczyna znosi bardzo wiele i może nas przeprowadzić przez różne przeciwności losu.

    Powieść o przygodach Jacka i Placka napisaną przez Kornela Makuszyńskiego w 1928 roku niewątpliwie rozsławiły adaptacje filmowe: czarno-biała Jana Batorego z 1962 roku (z udziałem braci Kaczyńskich) i animowana z muzyką zespołu Lady Pank z 1989 roku. Pierwszą adaptację sceniczną tej powieści stworzył w 2002 roku w Teatrze Nowym właśnie Cezary Domagała. Obecna inscenizacja będzie zaskakująca i zdecydowanie współczesna za sprawą efektownej i nowoczesnej scenografii Małgorzaty Szydłowskiej, nowej aranżacji utworów przygotowanej przez Andrzeja Bonarka oraz choreografii Marty Domagały-Witkowskiej
    W spektaklu zobaczymy cały zespół Teatru Rampa. W role Jacka i Placka wcielą się Dorota Osińska (obdarzona wspaniałym talentem wokalnym, znana widzom Rampy) oraz Michalina Brudnowska (aktorka i wokalistka).

    Premiera

    Premiera musicalu odbędzie się 27 marca o 19.00 w Międzynarodowy Dzień Teatru w roku Jubileuszu 40-lecia Teatru Rampa!

    Teatr Rampa zaprasza na najnowszy musical familijny
    „O dwóch takich co ukradli księżyc”
    27 marca godz 19.00 – premiera; 28, 29 marca godz. 16.00

     

    Galeria. Fotografie ze spektaklu.

    O dwóch takich co ukradli księżyc O dwóch takich co ukradli księżyc O dwóch takich co ukradli księżyc O dwóch takich co ukradli księżyc

  • Poza rzeczywistością

    Poza rzeczywistością

    Poza rzeczywistością
    wg tekstów W. Gombrowicza, S. I. Witkiewicza i S. Wyspiańskiego

    reżyseria: Wiesław Komasa
    scenografia i kostiumy: Małgorzata Grabowska-Kozera
    asystent reżysera: Anna Maria Buczek

    opracowanie muzyczne: Mirosław Jastrzębski
    choreografia: Emil Wesołowski
    praca nad słowem: Katarzyna Skarżanka
    opracowanie świateł: Monika Sidor

    Obsada:
    Kim Grygierzec
    Dorota Krempa
    Malwina Turek
    Katarzyna Ucherska
    Kamil Banasiak
    Maciej Hanczewski
    Stefan Krzysztofiak
    Mateusz Łapka
    Linda Kiššová (gościnnie)

    Poza rzeczywistością – Spektakl Teatr Collegium Nobilium

    Skoro to życie nie zadowala nas i nie przynosi spełnienia marzeń, dlatego by nie uświadamiać sobie wciąż tych przykrych myśli człowiek wrażliwy powinien mieć odwagę robienia czegoś poza rzeczywistością, by sztuką ratować smutek tego zagmatwania co nas otacza.

    Scenariusz tego spektaklu powstawał w czasie prób do egzaminów V i VI semestru z przedmiotu „Praca nad rolą”, których założeniem było łączenie psychologii z formą sceniczną postaci.

    Premiera 16 października 2014 r.
    Sala im. Jana Kreczmara

    Rezerwacja biletów: rezerwacja.tcn@at.edu.pl lub tel. 22 635 99 39

    www.tcn.at.edu.pl

    Przeciwwagą zmieniającej się nieustannie Formy i gustu w teatrze musi być ciągłe przypominanie Prawdy o Człowieku.

    Plakat teatralny

    poza rzeczywistością plakat teatralny

  • Siostrunie

    Siostrunie

    Siostrunie – spektakl muzyczny

    Reżyseria: Mariusz Kiljan

    Scenografia: Wojciech Stefaniak

    Choreografia: Anna Głogowska

    Step: Jiřina Nowakowska

    Kostiumy: Sylwester Krupiński

    Kierownictwo muzyczne:

    Marcin Partyka

    OBSADA: Katarzyna Żak, Anna Dereszowska, Jolanta Fraszyńska, Robert Rozmus, Aleksandra Szwed, Elżbieta Romanowska, Julia Kamińska

    Siostrunie to niekonwencjonalna, muzyczna opowieść, która rozbawi do łez każdego, kto zobaczy ten spektakl. Przed zgromadzoną widownią zaprezentuje się pięć niezwykle żywiołowych zakonnic, które opowiedzą o swoim życiu, marzeniach, powołaniu, a także… o pewnej bardzo niestrawnej zupie. W celu podreperowania finansów zakonu, jak i zdobycia środków na „szczytny cel”, bohaterki gotowe są do największych poświęceń. W trakcie realizacji tego ważnego planu, swoje talenty i najskrytsze tajemnice odkryją przed nami: Siostra Przełożona ( Katarzyna Żak), Siostra Mary Hubert (Anna Dereszowska), Siostra Mary Roberta (Jolanta Fraszyńska), Siostra Mary Leo (Aleksandra Szwed) oraz Siostra Mary Amnezja (Robert Rozmus). Zapewniamy, że nie ma osoby, która mogłaby się uchronić przed urokiem osobistym tej wesołej gromadki. Więc nawet jeśli podczas spektaklu niespodziewanie okaże się, że weźmiemy udział w quizie – nie należy się przesadnie martwić.Siostra Mary Amnezja szybko o wszystkim zapomni.

    Każda z bohaterek jest wyjątkowa i niepowtarzalna – jednak ich największym atutem jest to, iż tworzą one niebywale zgrany zespół. Indywidualizm, entuzjazm i dopisujący siostrzyczkom czarny humor to znaki rozpoznawcze Zakonu Małych Sióstr z Hoboken. Przewrotny humor, zabawa konwenansami oraz interakcja z publicznością, a także spora doza improwizacji, znakomita obsada aktorska, jak i muzyka na żywo w wykonaniu zespołu muzycznego The Jobbers daje nam pewność, że całość wypadnie śpiewająco.

    plakat teatralny palladium siostrunie

    REZERWACJE I SPRZEDAŻ BILETÓW:
    Teatr Palladium – ul. Złota 9, 00-019 Warszawa, www.teatrpalladium.com,
    (KASA BILETOWA czynna codziennie w godz. od 12.00 do 19.00.
    tel. 22 827 70 49, e-mail: kasa@teatrpalladium.com)

    Bileterie EMPIK
    REZERWACJE BILETÓW GRUPOWYCH:
    e-mail: biuro@impresariat.eu, tel. 732 675 746
    lub BOW – tel. 666 328 869 od poniedziałku do piątku w godz. od 9.00 do 17.00

    Siostrunie – PALLADIUM

  • MŁYNARSKI obowiązkowo!

    MŁYNARSKI obowiązkowo!

    MŁYNARSKI obowiązkowo! czyli śpiewany autoportret jakiego jeszcze nie było

    Wojciech Młynarski

    Pomysł, scenariusz, opieka artystyczna: Wojciech Młynarski
    Reżyseria: Jacek Bończyk

    Obsada:
    Jacek Bończyk, Arkadiusz Brykalski, Magdalena Kumorek, Anna Sroka-Hryń, Klementyna Umer, Wiktor Zborowski ze specjalnym udziałem: Stanisławy Celińskiej, Piotra Fronczewskiego, Janusza Gajosa, Krzysztofa Kowalewskiego, Mariana Opani oraz Krzysztofa Tyńca
    Premiera – 7 marca 2015r.

    7 marca 2015r. w Teatrze 6.piętro odbędzie się uroczysta premiera przedstawienia muzycznego pt. „MŁYNARSKI obowiązkowo!”. Będzie to projekt unikalny, gdyż po raz pierwszy w swojej długoletniej karierze Wojciech Młynarski tworzy całkowicie autorskie przedstawienie, którego jest pomysłodawcą, autorem scenariusza i opiekunem artystycznym. Spektakl będzie niezwykłą, wyśpiewaną autobiografią Mistrza piosenki literackiej, który swoją twórczością już od pół wieku towarzyszy kilku pokoleniom Polaków. Na scenie zobaczymy zaproszonych przez autora do udziału w tym projekcie artystów (m.in. Wiktora Zborowskiego oraz Magdalenę Kumorek), a także gości specjalnych, którzy będą towarzyszyć poszczególnym przedstawieniom. Reżyserem wydarzenia jest Jacek Bończyk.

    „Młynarski obowiązkowo!” to tytuł widowiska, który został zapożyczony z książki z moimi tekstami, opublikowanej parę lat temu. Ten tytuł jest z jednej strony trochę żartobliwy, ale z drugiej wskazuje na fakt, że pewne piosenki z moimi tekstami warto znać, bo prowokowały i prowokują do myślenia, zawierają opis naszych obyczajów i liryczny materiał do głębszych refleksji. – tak o projekcie mówi sam Wojciech Młynarski, a Eugeniusz Korin, dyrektor artystyczny Teatru 6.piętro dodaje: Powstający spektakl to niezwykła, wyśpiewana autobiografia Mistrza piosenki literackiej, który swoją twórczością już od pół wieku towarzyszy kilku pokoleniom Polaków. Trudno wyobrazić sobie naszą zbiorową świadomość, a nawet język codzienny bez obecności w nich takich utworów jak „Róbmy swoje”, „Życie, kocham cię nad życie”, „Polska miłość” czy „W Polskę idziemy”.

    W tę niezwykłą muzyczną podróż po życiu i twórczości Wojciecha Młynarskiego poprowadzi widzów spektaklu Jego alter ego Narrator – w tej roli Wiktor Zborowski oraz zespół wykonawców wybranych do projektu przez samego Mistrza: Magdalena Kumorek, Anna Sroka-Hryń, Klementyna Umer, Jacek Bończyk oraz Arkadiusz Brykalski. Każdego wieczoru w przedstawieniu weźmie udział jeden z gości specjalny pośród których znajdą się wybitni artyści i przyjaciele Mistrza: Stanisława Celińska, Piotr Fronczewski, Janusz Gajos, Krzysztof Kowalewski, Marian Opania czy Krzysztof Tyniec. Artystom na scenie towarzyszyć będzie kilkuosobowa orkiestra, a w ciągu całego wieczoru widzowie usłyszą ponad dwadzieścia piosenek, które wyszły spod pióra Wojciecha Młynarskiego.

    „Mam nadzieję, że starsi widzowie obejrzą to widowisko z uśmiechem i odnowią wspomnienia, a młodsi dowiedzą się, że była kiedyś i nadal jest piosenka pomagająca rozumieć rzeczywistość„

    Bilety do nabycia na www.teatr6pietro.pl oraz www.ebilet.pl, a także bezpośrednio w kasie Teatru 6.piętro w PKiN.

    ***
    Teatr 6.piętro to założona w 2010 r. przez Michała Żebrowskiego (Dyrektora Naczelnego) i Eugeniusza Korina (Dyrektora Artystycznego) prywatna scena dramatyczna, funkcjonująca na szóstym piętrze warszawskiego Pałacu Kultury i Nauki. Twórcy Teatru przykładają wielką wagę do uniwersalności sztuk tworzących repertuar oraz do pielęgnowania najlepszych tradycji gry aktorskiej.

    Działalności teatru przyświeca credo:
    „Teatr bez Widza traci rację bytu.
    6.piętro jest teatrem Widzów, których będziemy się starali:
    Prowokować do myślenia, nie nudząc.
    Wzruszać, nie wpadając w ckliwość.
    Bawić, nie błaznując.

    Plakat koncertu

    Młynarski Koncert w Teatrze 6. Piętro

  • Di, Viv i Rose

    Di, Viv i Rose

    Spektakl Di, Viv i Rose.
    Amelii Burmore.
    W reżyserii MACIEJ KOWALEWSKI,
    przekład KLAUDYNA ROZHIN,
    scenografia ANETA SUSKIEWICZ,
    muzyka BARTOSZ DZIEDZIC,
    kostiumy DOROTA ROQUEPLO,
    obsada Joanna BRODZIK, Daria WIDAWSKA, Małgorzata LIPMANN

    Opis spektaklu: Trzy przyjaciółki na scenie i w życiu prywatnym. Studenckie życie, pierwsze miłości, wariackie decyzje. Jak wpływają na ich dalsze życie? Wyjątkowa okazja aby zerknąć „od kuchni” na relacje bratnich dusz na scenie. Kobiet nieprzeciętnych, zabawnych i ciekawych życia. Codzienność ale bez rutyny. Historie pełne śmiechu i wzruszeń. Poruszający, zabawny i bogaty w emocje spektakl o towarzyszkach życia na dobre i złe.

    „Kiedyś myślałam, że dorastanie razem to nic więcej niż rośnięcie obok siebie, ale teraz wiem, że to, jak rośniesz, w którą stronę – zależy od ludzi, którzy rosną razem z tobą.”

    Oto co same Aktorki mówią o spektaklu:

    Di Viv Rose – To dla nas przedsięwzięcie wyjątkowe, bo naszą motywacją do spotkania się na scenie jest… przyjaźń. Kiedy ponad 15 lat temu poznałyśmy się, byłyśmy na początku dorosłego życia osobistego i zawodowego, zupełnie jak nasze bohaterki. Wtedy zawiązał się miedzy nami rodzaj niemego przyzwolenia na towarzyszenie sobie w życiu. Bez zbędnych deklaracji i wielkich słów stałyśmy się sobie bardzo bliskie.

    „Poznałyśmy się z Rose szesnaście lat temu, na uniwersytecie. To wtedy ona wybrała mnie i Viv, a my wybrałyśmy ją…”

    Plakat teatralny

    teatr_capitol_BRODZIK, WIDAWSKA, LIPMANN

    Fotografia teatralna

    teatr_capitol_BRODZIK, WIDAWSKA, LIPMANN teatr_capitol_BRODZIK, WIDAWSKA, LIPMANN teatr_capitol_BRODZIK, WIDAWSKA, LIPMANN

  • Polityka

    Polityka

    Polityka

    Premiera galowa: 10 stycznia 2015
    Czas trwania spektaklu: 145 min. / 1 przerwa

    adaptacja i reżyseria: Eugeniusz Korin
    scenografia: Maciej Chojnacki
    kostiumy: Beata Harasimowicz
    muzyka: Janusz Tylman i Czesław Majewski
    choreografia: Anna Głogowska

    Obsada:
    Jadwiga Łazańska – Małgorzata Socha
    Adolf Burski – Rafał Królikowski
    Łazański – Kazimierz Kaczor
    Hrabina Linowska – Joanna Żółkowska
    Franciszka – Hanna Śleszyńska
    Minister Kręciołek – Sylwester Maciejewski
    Kiełbikowski – Bartłomiej Firlet
    Biznesmen Szpakowski – Paweł Nowisz
    Poseł Krotoski – Miłogost Reczek
    Pokojówka/Jan – Michalina Sosna

    Polityka to gorzko – ironiczna komedia, szydząca w bardzo inteligentny sposób z naszej klasy politycznej, w której śmiech nie jest celem, tylko środkiem do rozmowy o bolączkach współczesnej Polski.
    W realiach lat 20-tych, czasu emancypacji kobiet i budowy II Rzeczpospolitej, rozgrywa się burzliwy romans dwójki głównych bohaterów. Posłanka lewicy (Małgorzata Socha) i poseł prawicy (Rafał Królikowski) uwikłani zostają nie tylko w miłosne, ale także partyjne perypetie. Polityczne i uczuciowe potyczki przedstawicieli dwóch wrogich obozów, w których łapówkarstwo, prywata i nepotyzm są nieodzowną częścią tego, co nazywa się „uprawianiem polityki”, tworzą prześmiewczą komedię lewicowo – prawicowych namiętności.

    Pochodzący z 1920 roku, zaskakująco współczesny tekst Włodzimierza Perzyńskiego potwierdza jedynie znaną prawdę, że prawdziwa sztuka nie ma wieku, a natura ludzka to najbardziej stały i niereformowalny element życia. Interesująca inscenizacja Eugeniusza Korina, który wykorzystuje w swoim spektaklu parodię filmu niemego sprawi, że widzowie odbędą zabawną podróż do kinematografu z okresu międzywojnia, gdzie taper przygrywa na pianinie, a gwiazdy srebrnego ekranu są zniewalająco zmysłowe i uwodzicielskie.

    Plakat teatralny POLITYKA

    polityka teatr warszawa

     

  • Imię

    Imię

    Imię (Le Prénom)
    tłumaczenie Barbara Grzegorzewska

    Produkcja: Tito Productions K.Fukacz-Cebula D.Słonina
    Reżyseria: Grzegorz Chrapkiewicz
    Scenografia: Wojciech Stefaniak
    Kostiumy: Justyna Woźniak
    Obsada: Edyta Olszówka, Dorota Krempa, Szymon Bobrowski, Marcin Hycnar, Wojciech Malajkat

    Scena na Woli

    Teatr Dramatyczny, na Scenie na Woli gości nowy spektakl realizowany przez Tito Productions (producenta przedstawień m.in. „Boeing Boeing”, „Histerie miłosne” i „I love you”). Jest to inscenizacja francuskiej sztuki pt. „Imię” w reżyserii Grzegorza Chrapkiewicza.

    Ekranizacja Imienia ściągnęła do kin rekordową liczbę widzów. Nakręcony w 2013 roku film otrzymał dwa Cezary oraz trzy nominacje (w tym za najlepszy scenariusz adaptowany). Dobrze napisane, dowcipne dialogi i wyraziste postaci, to komediowe atuty „Imienia”, porównywanego często do „Boga mordu” (filmowa „Rzeź” Romana Polańskiego). „Imię” nie jest komedią pozbawioną refleksji, a śmiech bywa tutaj gorzki.

    Akcja spektaklu rozgrywa się w ciągu jednego wieczoru, podczas kolacji wyprawianej przez profesora literatury Pierre’a (Szymon Bobrowski) i jego żonę Elisabeth (Edyta Olszówka) w ich paryskim mieszkaniu. Wieczorem gospodyni zaserwuje wyśmienite potrawy kuchni marokańskiej, pan domu zaimponuje gościom powiększonym o kolejne tomy księgozbiorem. Zdecydowanie zapowiada się udana kolacja. Zaproszeni goście to przyjaciel domu, puzonista – Claude (Marcin Hycnar), brat Elisabeth – błyskotliwy przedsiębiorca Vincent (Wojciech Malajkat) oraz jego dużo młodsza ciężarna partnerka Anna (Dorota Krempa). W tym gronie przebieg spotkania zdawał się przewidywalny. Jednak tym razem typowe, drobne sprzeczki przerodzą się w prawdziwą bitwę. Całe zamieszanie wywoła z pozoru niewinne pytanie o planowane imię dla dziecka.

    Imię – w Teatrze Dramatycznym, na Scenie na Woli

    Edyta Olszówka, Dorota Krempa, Szymon Bobrowski, Marcin Hycnar, Wojciech Malajkat

    Plakat teatralny

    Imię_teatr_dramatyczny_warszawa plakat

    Fotografia teatralna: Piotr Gamdzyk

    Imię_teatr_dramatyczny_warszawa_fotograf_piotr_g

    www.imie-spektakl.pl

  • Koncert życzeń

    Koncert życzeń

    TR Warszawa warszawska premiera Koncertu życzeń. Główną i jedyną rolę w spektaklu Yany Ross gra Danuta Stenka.

     Scena przy ul. Marszałkowskiej 8 pokaże łącznie pięć przedstawień.

    Spektakl w reżyserii Litwinki, Yany Ross oparty jest na tekście niemieckiego dramatopisarza Franza Xaviera Kroetza.

    Koncert życzeń w odróżnieniu od klasycznie skonstruowanego dramatu składa się jedynie z rozbudowanych didaskaliów, które stanowić mają partyturę i komentarz do scenicznych działań. Bohaterką jest tutaj około pięćdziesięcioletnia kobieta, stenotypistka. Urządzenie i umeblowanie jej mieszkania odpowiada stylowi współczesnej „cywilizacji mieszczańskiej”. Otoczona barwnością efektownych reklam i opakowań, szalenie pedantyczna i zorganizowana, nie potrafi przezwyciężyć swej samotności. Społeczeństwo, w którym żyje, także nie pomaga jej w rozwiązaniu problemów, skazując na wykluczenie i izolację. Kroetz tworzy obraz świata, w którym jednostka jest zdana na samotność, a jej pojedynczy los ginie gdzieś w wielkomiejskim tempie życia. Dramatopisarz bierze również pod lupę zachowania i moralność klasy średniej, która w obliczu zmian społecznych i kulturowych, musi na nowo wypracować i określić swoją tożsamość.

    „Karl Marx definiuje rewolucję jako czas, kiedy masy mają już dość opresji, a elity nie są w stanie ich dłużej kontrolować. Ale co jeśli finansowa elita poszła z duchem czasu i wypracowała sposób, żeby zająć masy konsumpcjonizmem, mamiąc je codziennymi, drobnymi nagrodami i przyjemnościami, które w sam raz wystarczają, żeby zapomnieć o cierpieniu wynikającym z bezsensowności cyklu życia? Prowokacyjna teza Kroetza podaje w wątpliwość akt samobójstwa jako rodzaj manifestacji wolnej woli i oznakę rewolucji, która, paradoksalnie, obraca się przeciw samej sobie i staje się rodzajem ciągłej porażki (poprzez usunięcie się ze społeczeństwa samego buntownika)” – mówi przed premierą reżyserka spektaklu, Yana Ross.

    „Koncert życzeń” w TR Warszawa można zobaczyć 15 stycznia o godzinie 19.00, 16 stycznia o godzinie 18.00 i 20.00 oraz 18 stycznia o godzinie 18.00 i 20.00.
    Spektakl powstał w koprodukcji TR Warszawa z Łaźnią Nową w Krakowie i Festiwalem Boska Komedia. Partnerami warszawskiej premiery są Deliaktesy.Esencja i Faktoria Win.

    Fotografia ze spektaklu

    w spektaklu Yany Ross gra Danuta Stenka w spektaklu Yany Ross gra Danuta Stenka w spektaklu Yany Ross gra Danuta Stenka w spektaklu Yany Ross gra Danuta Stenka w spektaklu Yany Ross gra Danuta Stenka w spektaklu Yany Ross gra Danuta Stenka w spektaklu Yany Ross gra Danuta Stenka w spektaklu Yany Ross gra Danuta Stenka w spektaklu Yany Ross gra Danuta Stenka w spektaklu Yany Ross gra Danuta Stenka w spektaklu Yany Ross gra Danuta Stenka w spektaklu Yany Ross gra Danuta Stenka w spektaklu Yany Ross gra Danuta Stenka w spektaklu Yany Ross gra Danuta Stenka w spektaklu Yany Ross gra Danuta Stenka

  • Jak Nanna swą córeczkę Pippę na kurtyzanę kształciła

    Jak Nanna swą córeczkę Pippę na kurtyzanę kształciła

    Pietro Aretino

    Jak Nanna swą córeczkę Pippę na kurtyzanę kształciła

    Jak Nanna swą córeczkę Pippę na kurtyzanę kształciła

    Twórcy:
    tłumaczenie Edward Boyé
    adaptacja i reżyseria Grzegorz Mrówczyński
    scenografia Jerzy Rudzki
    muzyka Tomasz Bajerski
    asystent reżysera Leszek Abrahamowicz
    animacja fantoma Roman Holc


    Występują:

    Małgorzata Duda-Kozera, Joanna Górniak, Dominika Łakomska, Andrzej Niemirski, Maciej Gąsiorek
    światło: Andrzej Kulesza / Jacek Kaczmarczyk
    dźwięk: Robert Gołaszewski / Marcin Pawłot / Mikołaj Skalski
    inspicjent: Agnieszka Korczak / Marzenna Bednarska-Almert
    charakteryzacja: Kamila Kępa, Monika Mikulska

    Komedia oparta na dialogach Pietro Aretino – mistrza włoskiego renesansu – to ostra satyra obyczajowa, pikantna i dowcipna, bardzo śmiała nawet, jak na włoski renesans. Istotą szyderstwa Aretino jest mistrzowsko ukazana manipulacja światem przy pomocy erotyki oraz obnażenie słabości, które ludzie wstydliwie ukrywają. Oba te aspekty czynią tę pikantną komedię wyjątkowo aktualną także dzisiaj.

    Tytułowa Nanna jest sławną wenecką kurtyzaną, bogatą i powszechnie szanowaną. Za namową przyjaciółki postanawia przygotować solennie do najstarszego zawodu świata swoją jedyną córkę Pippę. Ponieważ „zawód kurtyzański nie jest dla głupiej” – Pippa musi odbyć wiele ćwiczeń teoretycznych i praktycznych, aby zdobyć odpowiednie kwalifikacje. Przez dom Nanny przewija się bogata galeria mężczyzn, potencjalnych klientów łakomych dziewiczego ciała. Czy matce uda się wykształcić córkę na sławną kurtyzanę?
    Przysłowiową wisienkę na torcie stanowią piękne kostiumy i brawurowa gra aktorska. Wszystkie te elementy złożone w zgrabną i ponętną całość gwarantują znakomitą zabawę.

    Spektakl adresowany jest tylko do widzów dorosłych.
    premiera styczeń 2015
    Scena Kameralna Teatru Rampa

    kub bilet

    Plakat ze spektaklu

    teatr rampa nanna

    grafika promująca spektakl

     

  • d o w n_u s

    d o w n_u s

    d o w n_u s – prowokacyjny spektakl o inności, strachu przed nią i o nieprzewidywalności losu. O misternie tkanych planach i o „chwili”, która jednym ślepym machnięciem zmusza nas, by wszystkie klocki ustawiać na nowo…

    Bogdan T. Graczyk „d o w n_u s”
    Reżyeria: Dariusz Starczewski
    Scenografia: Anna Sekuła
    Muzyka: Przemysław Sokół
    Występują: Magdalena Walach, Marcin Sianko, Anka Graczyk, Zuzanna Grabowska, Sławomir Rokita
    Oraz: Zuzanna Hoffman, Maria Kalisz, Anna Zaręba, Jerzy Godawski, Karol Kadłubek
    Produkcja: Magdalena Chaszczyńska, Prezes Stowaryzszenia GRAAL
    Premiera: 3 kwietnia 2012, Teatr Scena STU

    Marta i Wojciech właśnie „meblują swoje wspólne życie”.
    Ona – kobieta czynu, wzięta prawniczka; on – trochę usuwa się jej z drogi. Mają perfekcyjnie ułożony plan na przyszłość, w którym wszystkie klocki idealnie do siebie pasują. I nagle pojawia się informacja, że… być może, ale jeszcze nie na pewno, ale jednak najprawdopodobniej, w ich życiu pojawi się „inny”.

    Spektakl odbędzie się 09.12.2014 o godz. 19:00 w Teatrze IMKA, ul. M. Konopnickiej 6, Warszawa.
    WSTĘP WOLNY

    Pobierz formularz: Warszawa spektakl formularz rekrutacyjny

    Wstęp jest bezpłatny, jednak konieczne jest wcześniejsze przesłanie zgłoszenia udziału. Osoby zainteresowane udziałem w spektaklu prosimy o przesłanie załączonego formularza do dn. 07.12.2014 na adres: joanna.chwastek@graal.org.pl

    Plakat

    spektakl grafika plakat

    Galeria Fotografie

    foto grafika promocja

    foto grafika promocja foto grafika promocja
    foto grafika promocja

     

  • Quo vadis

    Quo vadis

    Quo vadis wg Henryka Sienkiewicza
    Adaptacja i reżyseria: Rafał Rutkowski
    Opieka reżyserska: Bartosz Szydłowski
    Scenografia: Małgorzata Szydłowska
    Muzyka: Wiktor Stokowski
    Teksty piosenek: Adam Krawczuk, Marcin Perchuć, Rafał Rutkowski
    Obsada: Adam Krawczuk, Marcin Perchuć, Rafał Rutkowski, Maciej Wierzbicki
    Produkcja: Teatr Łaźnia Nowa

    Już niebawem kolejna zapierająca dech w piersiach inscenizacja klasyki w wykonaniu Teatru Montownia! Po „Trzech muszkieterach” warszawscy aktorzy odważnie sięgają po „Quo vadis”, tym razem serwując publiczności dowcipno-ironiczną interpretację Sienkiewiczowskiego dzieła. Na scenie nie zabraknie wielu kultowych postaci znanych z lektury i kina, w które wcielą się wyłącznie czterej Montowniacy. Szybkie tempo akcji, okraszone ciętym dowcipem, zawrotną prędkość aktorskich metamorfoz podkręcą jeszcze piosenki i muzyka grana na żywo, również w wykonaniu wszechstronnych aktorów.

    W Quo vadis Teatr Montownia przewrotnie zwraca się ku korzeniom komediowej sztuki dramatycznej – starogreckiej komedii attyckiej, czerpią również z tradycji teatru elżbietańskiego. Scenografia spektaklu jest skromna, lecz nabrzmiała znaczeniem, użycie efektów i nowoczesnych gadżetów cechuje zbawienny umiar. Wszystkie role, również kobiece, grają mężczyźni: brawurowo, koncertowo.

    Fotografia teatralna Bartosz Siedlik

    fotografia teatralna _ quo vadis fotografia teatralna _ quo vadis fotografia teatralna _ quo vadis fotografia teatralna _ quo vadis fotografia teatralna _ quo vadis fotografia teatralna _ quo vadis fotografia teatralna _ quo vadis fotografia teatralna _ quo vadis fotografia teatralna _ quo vadis fotografia teatralna _ quo vadis fotografia teatralna _ quo vadis

    Wywiad z twórcami przedstawienia

    „Łaźnia na gorąco”: Najpierw „Trzej Muszkieterowie”, teraz „Quo vadis”. Dokąd zmierzacie?

    Rafał Rutkowski: Po drugim przedstawieniu chcemy zakończyć naszą trylogię. Jest kilka propozycji: z racji tego, że jest nas czterech, myślimy o „Czterech pancernych”. Myśleliśmy też o „Gwiezdnych wojnach”, ale mamy kłopot z obsadzeniem Jabby de Hutt.

    Marcin Perchuć: Myśleliśmy także o „Dziadach” Adama Mickiewicza. Z tym, że byłyby to „Dziady” w okrojonej wersji – będzie tylko Dziad. No i być może jakaś młoda dziewczyna.

    Pamiętacie pierwszą lekturę „Quo vadis”? Dostrzegliście w niej już wtedy dywersyjny potencjał?

    M.P. Ja nie przeczytałem „Quo vadis”, tak jak nie przeczytałem „Trylogii” w całości, więc niczego nie dostrzegłem. Uważamy natomiast, że jest to bardzo fajna westernowa opowieść o miłości i przygodach.

    R.R. Pierwszy raz przeczytałem „Quo vadis” w podstawówce, miałem gorączkę, czterdzieści stopni, i stwierdziłem, że przeczytam książkę. Przeczytałem, wzruszyłem się. Przygody Marka Winicjusza, Ligii chrześcijan i złego Nerona przypadły mi do gustu. Kiedy przeczytałem ją ponownie, będąc już dojrzałym mężczyzną, zaśmiewałem się co drugą stronę! Jest to fantastyczna książka, nadająca się na pastisz lub przedstawienie w formie muzycznej komedii, i w tym kierunku zmierzamy. Dziękujemy ci Henryku Sienkiewiczu.

    Jeden z Was będzie w spektaklu grał także Ligię. Lubicie przywdziewać kobiece ciuszki?

    M.P. Nie lubimy, uważamy to za obciążenie, natomiast postanowiliśmy nie dopuścić żadnej kobiety do tak fantastycznego projektu i żadnego parytetu nie będzie!

    R.R. Budżet nie jest też zbyt wygórowany, więc nie możemy kupić gorsetów ani podwiązek. Ale zważywszy na to, że w starożytnym Rzymie nie noszono tego typu ubioru, będziemy musieli pewnie Ligię przywdziać w parciany wór, ubrać ją skromnie i ubogo. Narzekamy na to, ale wolimy być w zgodzie z epoką niż poszaleć i dać radość ludziom, którzy lubią mężczyzn przebranych za kobiety.

    Nasi informatorzy donoszą, ze intensywnie przygotowujecie się do spektaklu: widziano was w zoo na szkoleniu z lwami, na próbach zespołu Gladiators, w karczmie Rzym. Zdradzicie szczegóły z tych przygotowań?

    R.R. Rzeczywiście w nocy poszliśmy posłuchać, jak ryczą lwy, ze względu na to, że w czasie rzezi chrześcijan lwy ryczały bardzo. Jeden lew był dość leniwy, więc rzucaliśmy w niego kasztanami. Ucierpiał Adam, który gra Marka Winicjusza, ale blizny na jego twarzy tylko pogłębiły jego postać. Jeśli chodzi o koncert Gladiators oraz karczmę Rzym, niestety, nie wpuszczono nas do tej karczmy, powiedziano, że jesteśmy nietrzeźwi. Kompletna bzdura! Wcześniej mieliśmy próby właśnie i tam rzeczywiście piliśmy – ale odrobinę! – piwa. Chcieliśmy poczuć się jak prawdziwy zespół rockowy.

    M.P. Najwięcej nam dały jednak koncerty, które wykonaliśmy jako Indianie peruwiańscy na dworcu metra w Warszawie.

    Teatr Montownia składa się z czterech aktorów, zaś w „Quo vadis” znajduje się niezliczona ilość ról. Jak rozwiązaliście te niedobory kadrowe?
    R.R. Staraliśmy się obsadzać po równo, było sporo kłótni: większość chciała grać postaci inteligentne, mądre i te, które mają najwięcej tekstu. W związku z tym, jako adaptator tekstu, skreślałem go tak, żeby wszyscy mieli mniej więcej po równo. Raczej aktorzy są zadowoleni. Adam, który gra tylko jedną postać – Marka Winicjusza, z jednej strony ma łatwiej, ale z drugiej trudniej, patrzy na moje próby wcielenia się w Ligię i widzę u niego zazdrość.

    R.R. Marcin jest zmęczony, bo musi sobie poradzić z trzema postaciami. Znosi to dzielnie.

    M.P. …i z czterema piosenkami, a jako aktor kompletnie nieśpiewający – mam nadzieję, że zaskoczę i siebie, i widzów.

    R.R. Największe kłopoty mamy jednak ze zmianą obuwia w trakcie, ale myślę, że do premiery uda nam się to opanować.

    Czy książka wydana 118 lat temu nadal jest w stanie być atrakcyjna dla dzisiejszego odbiorcy?
    M.P. Nie mieliśmy w książki wydanej 118 lat temu w ręku, więc nie wiemy za bardzo, jak została wydana. Natomiast wiek tu nie gra roli – mieliśmy młodsze wydania i one są absolutnie atrakcyjne: z wieloma obrazkami, zakładkami, bardzo ciekawymi ilustracjami, więc to zapładnia.

    R.R. Wydanie, z którego korzystaliśmy, miało mnóstwo odnośników i wyjaśnień, dzięki temu mogłem zrozumieć dużo ciekawostek, których prawdopodobnie nie zrozumiałbym 118 lat temu. Dzięki tej współczesnej technice i wiedzy „Quo vadis” nabrało kolorów, np. dowiedziałem się, co znaczy słowo „peplum” – ale tego nie zdradzę, trzeba przyjść na przedstawienie.

    R.R. – Rafał Rutkowski
    M.P. – Marcin Perchuć

  • Cohen – Nohavica

    Cohen – Nohavica

    „COHEN – NOHAVICA”, reż. Marian Opania
    PREMIERA w Warszawie, Teatr Studio Buffo – 28 listopada 2014, g. 19.00 oraz 30 listopada i 17, 27, 28 grudnia
    PREMIERA w Puławach, Dom Chemika – 13 grudnia 2014, g. 18.00

    Reżyseria Marian Opania
    Oprawa muzyczna Janusz Stokłosa
    Ruch sceniczny Janusz Józefowicz
    Obsada Marian Opania, Agnieszka Matysiak / Iwona Loranc, Natalia Kujawa / Monika Węgiel, Piotr Machalica / Dariusz Siastacz / Jacek Koman, Arek Kłusowski / Marcin Januszkiewicz, Bartek Nowosielski / Krzysztof Dracz.

    Zderzenie dwóch gigantów piosenki – Leonarda Cohena i Jaromira Nohavica – w spektaklu Mariana Opani!
    W lipcu minęło dokładnie 50 lat od chwili kiedy jako 21-letni chłopak Marian Opania po raz pierwszy stanął na deskach teatru, by zagrać Edwarda III w sztuce Ch. Marlowe’a pt. „Edward II” w reżyserii Stanisława Bugajskiego. Od tego czasu poza rolami dramatycznymi, niezmiennie zachwyca interpretacją piosenek i udziałem w licznych projektach muzycznych.

    Już 28 listopada 2014 odbędzie się premiera spektaklu „COHEN-NOHAVICA”, którym artysta chce uczcić ten wyjątkowy jubileusz i zaprosić widzów w muzyczną podróż na scenie Teatru Studio Buffo. Największe przeboje Leonarda Cohena – t.j. Sisters of Mercy, Tower of Song, Hallelujah, czy The Future – spotkają się z balladami Jaromira Nohavici, m.in.: Potulní kejklíŕi, Až to se mnu sekne, Když mě brali za vojáka, Zítra ráno v pět. Warto również dodać, że wszystkie utwory zostały przetłumaczone na język polski.

    Reżyser o spektaklu: (…) Od 7 lat noszę się z pomysłem przedstawienia, w którym chciałbym zderzyć dwóch gigantów piosenki, a mianowicie Leonarda Cohena i Jaromira Nohavicę. Obaj, kiedy ich pierwszy raz usłyszałem, Cohena w roku 1981 podczas kręcenia „Człowieka z żelaza”, a Nohavicę 7 lat temu w Komorowie, też podczas kręcenia tym razem dla teatru TV sztuki „Dobrze” Tomasza Mana, poczułem się w owych momentach powalony i ubezwłasnowolniony, niczym Cohen kiedy zobaczył kąpiącą się na dachu swoją Dalilę (…)

    W obsadzie spektaklu zobaczymy zarówno wielkich artystów, jak i młodych, uzdolnionych aktorów. Oprawą muzyczną zajął się Janusz Stokłosa, a ruchem scenicznym – Janusz Józefowicz: (…) Wystarczy powiedzieć, że przed laty widzowie w teatrze Ateneum stali od 5 rano, zakładając komitety kolejkowe by dostać bilety na Brela, Hemara, Wysockiego w reżyserii Wojtka Młynarskiego, a pomagali mu w tym dwaj młodzi chłopcy – Janusz Józefowicz i Janusz Stokłosa. Wtedy po raz pierwszy się w nich zakochałem, a ja w miłości jestem wierny… – dodaje Marian Opania.

    Teatr Studio Buffo, ul. M. Konopnickiej 6, Warszawa

    Plakat teatralny

    plakat studio buffo

    Bilety

    Szukaj biletów

  • Folies, Folies – rewia drag queens

    Folies, Folies – rewia drag queens

    Folies, Folies – rewia drag queens
    Reżyseria: Sylwester Biraga
    Obsada:
    Kim Lee
    Lady Brigitte
    Selliné Dé Mellon
    Charlotte
    Morning Glory
    Królowa Nocy
    Papina McQueen
    Master Bee
    Gladky Adaś

    Teatr Druga Strefa zaprasza na najgorętszy show tej zimy!
    Folies, Folies – rewia drag queens

    PREMIERA: 31 grudnia 2014, godz. 22.00

    Pierwsza w historii Polski rewia drag queens! Niezapomniany wieczór szalonej zabawy w iście queerowym stylu! Kicz kontra glamour. Na scenie pojawią się prawdziwe legendy, ikony kobiecości – Marilyn Monroe, Cher, Christina Aguilera, Kalina Jędrusik czy Lisa Minelli! Nasze nieokiełznane drag queenki, niewiarygodne iluzjonistki płci zmieniać będą osobowości częsciej niż peruki, reinterpretując największe hity najpopularniejszych musicali! Będą tony piór, cekinów i brokatu, niebotycznie wysokie szpilki, ekstrawaganckie kreacje i przede wszystkim mnóstwo śmiechu! Wieczór niebezpiecznych zabaw z genderem dopełnią numerki dwóch performerów boyleskowych!
    Uwaga! W Sylwestra wspólnie powitamy Nowy Rok na scenie! Lampka prosecco dla każdego w cenie biletu! Po całym show zapraszamy wszystkich na after party w teatrze! Kultura przede wszystkim!

    Plakat teatralny

    plakat teatralny grafika teatr

  • Jeszcze chcę powiedzieć…

    Jeszcze chcę powiedzieć…

    Teatr Teka i Jeszcze chcę powiedzieć… w Teatrze Żydowskim

    Scenariusz, reżyseria i choreografia: Ewa Tucholska i Tomasz Piątkowski

    ONA – Ewa Tucholska i ON – Tomasz Piątkowski
    oraz znakomici muzycy, którzy „wygrywają” klimat tamtych lat
    – Krzysztof Jaszczak, Robert Kuśmierski i Marcin Fidos.

    Teatr Teka w piątek 21 listopada zaprezentuje w Teatrze Żydowskim spektakl oparty na piosenkach z lat 20. i 30.

    ONA i ON spotykają się. W jednym miejscu o tej samej porze. Z pozoru się nie znają, ale mówią o tym samym – o miłości, o rozstaniu, o tęsknocie, o wspomnieniach. Wyśpiewują swoje życie. Co ich łączy? Kim są dla siebie? Jak zakończy się ich spotkanie?
    Piękne piosenki z lat 20. i 30. – „Tango Milonga”, „To ostatnia niedziela”, „Zimny drań”, „Cztery nogi”, „Upić się warto”, „Ach, te baby”, „Co nam zostało z tych lat” i wiele innych – wyśpiewane, wytańczone, wystepowane!

    Rezerwacja biletów pod numerem (+48 22) 850 56 56; (22) 850 64 50 lub 51 i online bow@teatr-zydowski.art.pl

    Data: piątek 21 listopada 2014 r. g. 19:00

    Miejsce: Teatr Żydowski im. Estery Rachel i Idy Kamińskich – Centrum Kultury Jidysz w Warszawie, Plac Grzybowski 12/16

    Plakat teatralny

    JESZCZE CHCĘ POWIEDZIEĆ… plakat

  • Senty Menty

    Senty Menty

    ­SENTYMENTALNY KONCERT ŻYCZEŃ
    w Teatrze Małego Widza

    Występują: Igor Spolski, Michał Lamża, Iza Lamik, Agnieszka Czekierda
    Adaptacja, aranżacja: Igor Spolski, Michał Lamża, Iza Lamik (Igor Spolski & The Dudes)
    Reżyseria: Agnieszka Czekierda
    Scenografia i kostiumy: Katarzyna Adamczyk
    Reżyseria światła: Michał Foltak
    Adresaci spektaklu:  dzieci w wieku 1-5 lat
    Czas trwania: 45 min

    W niedzielę 19 października 2014 w Teatrze Małego Widza cofniemy na chwilę czas i uruchomimy niezwykły filmowo-bajkowy kalejdoskop. Koncert „SENTY-MENTY” dedykujemy szczególnie tym, którzy pragną zarazić swoje dzieci miłością do kultowych piosenek, które my sami nuciliśmy kiedy byliśmy mali.
    Najnowsza odsłona interaktywnego koncertu pt. „SENTY-MENTY” będzie sentymentalną podróżą do czasów dzieciństwa rocznika 70 i 80, rodzajem muzycznego pamiętnika, na który składają się wybitne i ponadczasowe utwory z polskich bajek i seriali dla dzieci, i młodzieży. Pamiętacie Rademenesa, piżmaki z Wiklinowej Zatoki, Pustoraka, co nie chciał Meluzyny, Tolka Banana, Pankracego albo Smuteczki, które mieszkały nad rzeczką? Kto by ich nie pamiętał, przecież ten piękny muzyczny świat po brzegi wypełniał czas naszego dzieciństwa. Dziś możemy wrócić do niego razem z naszymi dziećmi i wspólnie zanurzyć się w tym muzycznym oceanie wspomnień. „SENTY-MENTY” to koncert pełen magii, emocji, śmiechu i dobrej zabawy. Jak zwykle Iza Lamik, Michał Lamża i Igor Spolski przygotowali żywiołowe i zaskakujące aranżacje, więc nie trzeba się martwić o miejsca siedzące. Nie będą nam potrzebne. Nie da się przecież tańczyć na siedząco.

    Premiera: 19.10.2014, pokazy przedpremierowe: 18.10.2014

    Po 3 latach działalności dorobek Teatru Małego Widza to dziewięć spektakli dla dzieci od 1. roku życia, dwa interaktywne koncerty, ale również dwa spektakle i liczne kreatywne warsztaty dla dzieci nieco starszych, takich powyżej 4 lat. W tym czasie zagraliśmy ponad 1050 spektakli, odwiedziło nas 40 tys. widzów. Teatr Małego Widza – to teatr zapachu, dźwięku, koloru, a teraz również smaku! Tu nie ma wierszyków, kukiełek czy morału powtarzanego cztery razy. W Teatrze Małego Widza najważniejsze jest pobudzanie wszystkich zmysłów i wyobraźni dzieci. Do zobaczenia na Jezuickiej 4 w Warszawie!

    TEATR MAŁEGO WIDZA
    SCEK, Scena Dziecka
    ul. Jezuicka 4 (wejście od ul. Brzozowej)
    00-281 Warszawa – Stare Miasto
    tel. +48 512 622 215
    info@teatrmalegowidza.pl
    www.teatrmalegowidza.pl

    Plakat teatralny

    teatr małego widza SENTYMENTY

     

  • Nietoperz

    Nietoperz

    Nietoperz na podstawie Die Fledermaus Johanna Straussa II

    reżyser: Kornél Mundruczó
    scenariusz: Kata Wéber, Kornél Mundruczó
    scenografia i kostiumy: Márton Ágh
    muzyka: János Szemenyei
    dramaturg: Gábor Thury
    światło i wideo: Kornél Mundruczó

    Występują:
    MAŁGORZATA BUCZKOWSKA, ROMA GĄSIOROWSKA, AGNIESZKA PODSIADLIK, JUSTYNA WASILEWSKA, RAFAŁ MAĆKOWIAK, DAWID OGRODNIK, SEBASTIAN PAWLAK, ADAM WORONOWICZ

    O twórcy: Johann Strauss II

    Johann Baptist Strauss, znany również jako Johann Strauss Junior lub Syn, to austriacki kompozytor, specjalizujący się zwłaszcza w muzyce tanecznej i operetkach. Stworzył ponad 500 walców, polek i kadryli, a także kilka operetek oraz balet. Mówiono o nim „Król Walca”, ponieważ przyczynił się do popularyzacji walca w Wiedniu w XIX wieku. Najbardziej znane dzieła Johanna Straussa to między innymi: Nad pięknym modrym Dunajem, Walc cesarski, Opowieści Lasku Wiedeńskiego, Tritsch-Tratsch-Polka oraz Pizzicato Polka. Spośród operetek najbardziej znane są Zemsta nietoperza oraz Baron Cygański.

    Strauss urodził się 25 października 1825 roku w St. Ulrich niedaleko Wiednia, jako syn słynnego kompozytora Johanna Straussa I. Jego ojciec nie chciał, aby syn został kompozytorem, lecz Strauss Junior w tajemnicy uczył się gry na skrzypcach u Franza Amona, pierwszego skrzypka w orkiestrze ojca. Strauss uczył się techniki kontrapunktu i kompozycji u prof. Joachima Hoffmanna, teoretyka, który prowadził prywatną szkołę muzyczną. Talent Straussa zauważył również kompozytor Joseph Drechsler, u którego pobierał on lekcje kompozycji. Jego drugi nauczyciel gry na skrzypcach, Anton Kollmann, który uczył również baletu w operze wiedeńskiej, wystawił mu doskonałe referencje.

    Strauss zadebiutował w październiku 1844 roku w Cassino Dommayera, gdzie wykonał niektóre ze swoich najwcześniejszych dzieł. Pierwszym dużym osiągnięciem młodego kompozytora było honorowe stanowisko „Kapelmistrza drugiego regimentu obywateli Wiednia”. Wiedeń został zniszczony przez rewolucję mieszczańską z 24 lutego 1848, a silna rywalizacja pomiędzy ojcem i synem stała się znacznie bardziej widoczna, gdy Johann Junior stanął po stronie rewolucjonistów, podczas gdy ojciec pozostał wierny monarchii. Kiedy w 1849 roku Strauss ojciec zmarł w Wiedniu na szkarlatynę, syn połączył obydwie orkiestry i udał się na kolejne tournee. Ubiegał się o stanowisko Dyrektora Muzycznego Balów Królewskich (KK Hofballmusikdirektor), które otrzymał w roku 1863. W latach 70-tych Strauss wyruszył ze swoją orkiestrą do Stanów Zjednoczonych, gdzie uczestniczył w Festiwalu w Bostonie na zaproszenie kapelmistrza Particka Gilmore’a i pełnił funkcję głównego dyrygenta „Monster Concert”, w którym wzięło udział ponad tysiąc artystów.

    Kompozytor zmarł w Wiedniu w wieku 73 lat. Został pochowany na Cmentarzu Centralnym w Wiedniu (Zentralfriedhof). Śmierć przerwała komponowanie przez niego baletu Kopciuszek (Aschenbrödel).

    Die Fledermaus

    Die Fledermaus (Zemsta nietoperza) to operetka skomponowana przez Johanna Straussa II do niemieckiego libretta Karla Haffnera i Richarda Genée.

    Podstawowym źródłem Zemsty nietoperza była farsa napisana przez niemieckiego dramatopisarza Juliusa Rodericha Benediksa (1811 – 1873), zatytułowana Das Gefängnis (Więzienie). Kolejnym źródłem stała się francuska sztuka wodewilowa Le réveillon Henriego Meilhaca i Ludovica Halévy. Została ona po raz pierwszy przetłumaczona przez Karla Haffnera na sztukę teatralną, która miała zostać wystawiona w Wiedniu. Jednakże specyfika francuskiego obyczaju réveillon (wieczerza o północy) doprowadziła do problemów, które rozwiązano poprzez zaadaptowanie sztuki jako libretta dla Johana Straussa, gdzie réveillon zastąpiono wiedeńskim balem.

    Premiera odbyła się 5 kwietnia 1874 roku w Theater an der Wien w Wiedniu, a operetka weszła do stałego repertuaru. Wystawiono ją również w Nowym Jorku w teatrze Bial at the Stadt Theatre 21 listopada 1874 roku, a następnie w Londynie w teatrze Alhambra 18 grudnia 1876 roku, z muzyką znacznie dostosowaną przez Hamiltona Clarke’a. W 1895 roku operetka została po raz pierwszy wystawiona w Londynie w oryginale, w języku niemieckim.

    Zemsta nietoperza podlegała niezliczonym adaptacjom dla potrzeb kina i telewizji. Rola Eisensteina była początkowo napisana dla tenora, lecz obecnie jest często śpiewana przez baryton.

    Streszczenie:

    Akt 1
    Apartament Eisensteina

    Gabriel von Eisenstein został skazany na osiem dni więzienia za obrazę urzędnika, częściowo z powodu niekompetencji swojego adwokata dr Blinda. Pokojówka Eisensteina, Adele, dostaje od siostry list z zaproszeniem na bal u księcia Orlofsky’ego. Udaje, że list dotyczy poważnej choroby ciotki i prosi o wychodne („Pisze do mnie moja siostra, Ida”). Falke, przyjaciel Eisensteina, przybywa, aby zaprosić go na bal (Duet: „Pójdźmy więc dziś na bal”). Eisenstein żegna się ze swoją żoną Rozalindą oraz z Adele, udając, że zmierza do więzienia (tercet: „Samotna tu zostaję”), choć w rzeczywistości planuje przełożyć odbycie kary o jeden dzień, a wieczorem bawić się na balu.

    Po wyjściu Eisensteina przychodzi do Rozalindy jej kochanek, śpiewak Alfred, który wyśpiewuje dla niej serenadę („Dove that has escaped”). Frank, dyrektor więzienia, przychodzi po Eisensteina, lecz zamiast niego znajduje Alfreda. Aby nie narażać Rozalindy, Alfred zgadza się udawać Eisensteina i idzie z Frankiem do więzienia. (Finał, kuplet „Niech o winie zabrzmi śpiew”, następnie obrona Rozalindy po przybyciu Franka „In tête-à-tête with me so late” oraz zaproszenie Franka „My beautiful, large bird-cage”)

    Akt 2
    Domek letni w willi Orlofsky’ego

    Okazuje się, że Falke, za zgodą księcia Orlofsky’ego, organizuje bal, aby zemścić się na Eisensteinie. W poprzednim karnawale Eisenstein zostawił pijanego Falke w kostiumie nietoperza (stąd tytuł operetki) w centrum miasta, narażając go na kpiny i ośmieszenie. Częścią intrygi jest zaproszenie na bal Franka, Adele i Rozalindy. Rozalinda udaje węgierską hrabinę, Eisenstein przedstawia się jako „markiz Renarda”, Frank jest „kawalerem Chagrin”, a Adele udaje aktorkę.

    Bal trwa (chór: „Czeka nas uciech moc”), a książę wita gości („I love to invite my friends”). Eisenstein zostaje przedstawiony Adeli, co wprawia go w zakłopotanie ze względu na jej niezwykłe podobieństwo do jego własnej pokojówki („Taki Pan jak Pan” lub aria Adeli „Ze śmiechem”). Następnie Falke przedstawia mu przebraną Rozalindę (czardasz: „Piosenka daleka”). Podczas romantycznego tête-à-tête Rozalindzie udaje się ukraść mężowi drogocenny zegarek, który może później wykorzystać jako dowód jego nieodpowiedniego zachowania (duet: „Jak spogląda, tak pożąda”). W finale całe towarzystwo świętuje (kuplet „In the fire stream of the grape”, potem kanon „Mów mi Ty”, polka „Wśród grzmotów i błyskawic” oraz końcowy walc „Ha, what joy, what a night of delight”).

    Akt 3
    W biurze więziennym dyrektora Franka

    Następnego ranka wszyscy trafiają do więzienia, gdzie ogólny chaos potęguje dozorca Frosch, który upił się prawie do nieprzytomności, korzystając z nieobecności naczelnika. Adele zjawia się, aby uzyskać pomoc kawalera Chagrin
    (melodramat, kuplet Adeli „W roli skromnego dziewczęcia”), podczas gdy Alfred marzy tylko o wydostaniu się z więzienia. Świadoma oszustwa Eisensteina Rozalinda chce złożyć pozew o rozwód, a Frank jest nadal odurzony alkoholem.

    Frosch zamyka w celi Adelę i jej siostrę Idę, a następnie zjawia się Falke razem ze wszystkimi gośćmi balu i wyjaśnia, że cała intryga stanowiła element zemsty za „Nietoperza” (tercet Rozalinda, Eisenstein i Alfred: „A co mu powiedzieć”). Wszystko kończy się dobrze (Eisenstein przypisuje winę za swoje zachowanie działaniu szampana, a Orlofsky obiecuje wesprzeć karierę aktorską Adeli). Eisenstein musi jednak odbyć pełną karę w areszcie (finał „O nietoperzu dosyć już”).

     

    Fotografia teatralna: Kuba Dąbrowski

    nietoperz fotografia teatr TR Warszawa nietoperz fotografia teatr TR Warszawa nietoperz fotografia teatr TR Warszawa nietoperz fotografia teatr TR Warszawa nietoperz fotografia teatr TR Warszawa nietoperz fotografia teatr TR Warszawa

     

    Video trailer z przedstawienia

    Kornél Mundruczó

    Scenariusz i reżyseria

    Reżyser filmowy, scenarzysta i aktor. Kornél Mundruczó urodził się w 1975 roku na Węgrzech. Studiował w Węgierskim Instytucie Filmowym, a obecnie jest znanym europejskim reżyserem filmowym, którego dzieła prezentowane są na najbardziej prestiżowych festiwalach na całym świecie. Po nakręceniu filmu krótkometrażowego (AFTA, 2001) reżyserował cztery filmy pełnometrażowe (Kilka pogodnych dni, 2002, Joanna, 2005, Delta, 2008,

    Projekt Frankeinstein, 2010). Otrzymał wiele nagród na różnego rodzaju festiwalach filmowych. Jego ostatni film, Projekt Frankenstein, po raz pierwszy pokazano na Oficjalnej Selekcji Cannes 2010. Od 2003 roku

    współpracował również z Krétakör Theatre, teatrem Thalia Theater w Hamburgu oraz Schauspiel w Hanowerze. Obecnie w teatrach wystawiane są cztery jego dzieła:

    Lód Sorokina w Narodowym Teatrze Węgierskim, Projekt Frankenstein, międzynarodowa koprodukcja Ciężko być bogiem na tournee na festiwalach teatralnych na całym świecie oraz jego ostatnia praca teatralna, Eszter Solymosi z Tiszaeszlar w Schauspiel Hannover.

    o projekcie

    Środek zimy, kilka dni przed Nowym Rokiem. W stylowej scenerii opuszczonego domu, zbierają się obce sobie wcześniej rodziny, aby wspólnie świętować nadchodzące święto. Przygotowania do uroczystości upływają przy słodkich dźwiękach operetki Zemsta Nietoperza Johanna Straussa (syna).

    Wielu z obecnych musiało zdobyć się na niejedno poświęcenie, aby znaleźć się tym miejscu. Za przywilej uczestniczenia w tak oczekiwanym wydarzeniu, gotowi byli oddać wszystkie pieniądze, poświęcić większość swojego czasu, a nawet ryzykować reputacją. Są wśród nich młodzi i starzy, małżeństwa i osoby stanu wolnego. Łączy ich jedno – ciekawość, czy człowiek może udźwignąć ciężar boskiej wolności.

    Po nominowanym do Złotej Palmy filmie Łagodny potwór – projekt Frankenstein, Kornél Mundruczó wraz z zespołem TR Warszawa ralizuje klasyczną operę buffo. Sięgając po utwór, który powstał równolegle z ogłoszeniem przez Nietzschego śmierci Boga, węgierski reżyser podejmuje temat „śmierci bez Boga” i zadaje nieśmiertelne pytanie: czy i w jakim stopniu wolno nam decydować o własnym istnieniu.

  • Bielska. Boczarska. Grabowski. Karolak.

    Bielska. Boczarska. Grabowski. Karolak.

    Iwona Bielska, Magdalena, Boczarska, Mikołaj Grabowski, Tomasz Karolak ze spektaklem, którego tytuł nie jest przypadkowy – BIELSKA. BOCZARSKA, GRABOWSKI. KAROLAK.

    Reżyseria: Mikołaj Grabowski
    Scenografia: Katarzyna Kornelia Kowalczyk
    Światło: Michał Grabowski

    Występują:

    Iwona Bielska, Magdalena, Boczarska, Mikołaj Grabowski, Tomasz Karolak

    W scenicznej historii, pełnej nawiązań do prywatności, która balansuje na pograniczu intymności i sztuki, opowiadają o wielkich emocjach, marzeniach i niespełnieniach. O zależności od życiowych partnerów i ich pieniędzy. O odejściach i powrotach. O tęsknocie za macierzyństwem. I o strachu przed odpowiedzialnością. Co czują?

    Mikołaj Grabowski po raz kolejny podjął się próby wyreżyserowania spektaklu, w którym doskonałe improwizacje aktorskie są oparte na wybitnym tekście. Tym razem kanwą tych artystycznych ewolucji jest „Kto się boi Virginii Woolf” Edwarda Albee’ego.

    Bielska. Boczarska. Grabowski. Karolak.

  • Zwiastowanie

    Zwiastowanie

     

    Na deskach Teatru Polskiego po raz pierwszy w tym sezonie ZWIASTOWANIE – jeden z najważniejszych francuskich tekstów dramatycznych XX wieku w opracowaniu wybitnego estońskiego reżysera Lembita Petersona.

    Reżyseria: Lembit Peterson
    Dekoracje i kostiumy: Pille Jänes
    Muzyka: Marius Peterson

    Występują: Dominik Łoś, Lidia Sadowa, Jerzy Schejbal, Marta Kurzak, Halina Łabonarska, Tomasz Błasiak, Antoni Ostrouch, Marta Alaborska, Ewa Domańska, Joanna Halinowska

    Anne Vercors, głowa rodziny, zarządca dobrze prosperującego gospodarstwa Combernon, ku zaskoczeniu wszystkich opuszcza dom, by wyruszyć w samotną pielgrzymkę do Jerozolimy. Wiedząc, że może nigdy nie wrócić, oddaje swą starszą córkę Wiolenę, wraz z dorobkiem całego życia, przybranemu synowi Jakubowi Hury. Czy losy rodziny Anne ułożą się tak, jak sobie tego życzył? Czy też Bóg powołał ich do innego życia?

    ZWIASTOWANIE, którego akcja toczy się w średniowiecznej Francji, to poetycka opowieść o naturze wiary, o zaufaniu do Boga i ludzi, a także – o powołaniu, które może odmienić życie, jeśli potrafimy je dostrzec i zaakceptować. Chęć realizacji woli Boga wiąże się w przypadku bohaterów dramatu z rezygnacją z własnych marzeń, planów i tego, co najbardziej kochają.

    Pomysł wystawienia „Zwiastowania” narodził się w 1986 roku, kiedy po raz pierwszy zetknąłem się z tekstem. Kiedy przyjąłem katolicyzm, z zapałem poszukiwałem literatury związanej z moimi nowymi przekonaniami, dzieł autorów chrześcijańskich i przede wszystkim katolickich, inspirowanych, podobnie jak ja, naukami apostołów. Pamiętam, że na początku, wiele zagadnień ze „Zwiastowania” było dla mnie niezrozumiałych, tajemniczych. Wielokrotnie czytaliśmy tekst ze studentami, był gęsty od znaczeń, wywarł na nas bardzo silne wrażenie. Wszyscy słuchali w skupieniu i ciszy, niektórzy płakali. Długo bałem się wystawienia „Zwiastowania”, myślałem, że nie znajdę odpowiednich aktorów (zwłaszcza do roli Piotra z Craon). Mój strach wynikał z wielkiego szacunku, jaki żywiłem wobec wzniosłej, sakralnej tematyki tekstu, ale też obawiałem się reakcji estońskiego społeczeństwa, nie wiedziałem, jak publiczność w Estonii przyjęłaby sztukę.

    Głównym tematem sztuki jest dla mnie boskie powołanie i to, jak ludzie je rozumieją. Wszystkie postaci w dramacie dają świadectwo, że Zbawiciel żyje – to bardzo silne świadectwo, wystawione przez autora poprzez jego bohaterów.

    Lembit Peterson

    teatr polski zwiastowanie

  • Cztery pory roku

    Cztery pory roku

    CZTERY PORY ROKU

    Pomysł i reżyseria: Agnieszka Czekierda
    Występują: Lena Kowalska i Iza Lamik
    Opracowanie muzyczne: Iza Lamik
    Scenografia: Andrzej Albin
    Reżyseria światła: Michał Foltak
    Czas trwania spektaklu: ok 30 min + 15 minut zabawy
    Adresaci spektaklu: dzieci w wieku 1-5 lat

    Cztery pory roku to zaproszenie w niecodzienną podróż dookoła dziecięcej codzienności, gdzie dni płyną wolno, a cały świat jest wypełniony małymi cudami ukrytymi w kwiatku i kałuży, w motylku, piórku, a nawet w zwyczajnym praniu rozwieszonym na strychu.
    W tej podróży muzyka też nie jest zwyczajna, zabrzmią fragmenty koncertów skrzypcowych Antonio Vivaldiego, usłyszymy instrumenty – różne różniste, małe i duże, dziwne i zaskakujące.

    „Cztery pory roku” to piękny, poetycki spektakl, który za pomocą tańca, obrazu i muzyki granej na żywo opowiada o tym, co najbardziej niesamowite i magiczne w otaczającym nas świecie – o przyrodzie. O jej rytmie, o tym jak się zmienia, ile ma barw i odcieni, i wreszcie ile emocji wywołują te wszystkie zjawiskowe momenty, kiedy pory roku są najpełniejsze i zarazem najpiękniejsze. Czekamy na te momenty. Kochamy Wiosnę, mimo, że ciągle się spóźnia, wiecznie coś gubi i w ogóle jest trochę roztrzepaną wariatką, kochamy Lato, które cudownie pachnie i jest taaaaakie romantyczne, Jesień – za to, że pozwala się pluskać w kałużach, a Zimę, że jest jak wielka puchowa poduszka.

    CZTERY PORY ROKU

  • RENT

    RENT

    RENT. Ten musical zmienił Broadway!

    Reżyseria: Jakub Szydłowski
    Aranżacje i kierownictwo muzyczne: Tomasz Filipczak
    Choreografia: Santiago Bello

    Obsada:
    Jakub Wocial
    Rafał Drozd
    Konrad Marszałek
    Ewa Lachowicz
    Kamila Boruta
    Łukasz Talik
    Krzysztof Broda-Żurawski
    Brygida Turowska
    Agnieszka Fajlhauer
    Julian Meere

    Santiago Bello
    Dominika Łakomska
    Daniel Zawadzki
    Weronika Bochat
    Joanna Górniak
    Mieczysław Morański
    Maciej Gąsiorek
    Małgorzata Duda-Kozera
    Piotr Furman
    Robert Tondera
    Adrian Wiśniewski

    RENT – rewelacja sezonu: jeden z najgłośniejszych musicali świata teraz na scenie teatru Rampa. Musical, o którym mówi się, iż zmienił Broadway na zawsze. Musical, który wylansował słynne przeboje, jak na przykład ”Season of love” odsłuchany w internecie już dziesięć milionów razy. Musical, który musisz zobaczyć, jeśli chcesz dotknąć tej sztuki, która naprawdę zmienia nasz świat.

    RENT jest muzycznym, pięknym i doniosłym wołaniem o prawo do miłości dla każdego kto jej pragnie, dla każdego kto chce w swoim życiu szczęścia czyli dla każdego z nas. Bez względu na wiek, płeć, stan zdrowia, czy kolor skóry. Bez względu na to kim się jest, ile się ma i co się może. Musical RENT pokazuje współczesną historię młodych ludzi, którzy walczą ze swym losem, którym nie powodzi się tak, jakby chcieli, których dotykają kolejne dramaty. Walkę tę wygrywają za sprawą siły miłości. Musical RENT zdobył cały świat właśnie dlatego, że utwierdza nas w przekonaniu, iż w ostatecznym rozrachunku z życia liczy się tylko miłość. I miłość zawsze zwycięży. Chcesz to poczuć i przeżyć – przyjdź do Teatru Rampa, słuchaj, patrz i zakochaj się w tym niezwykłym widowisku.

    RENT z muzyką i librettem mistrza i geniusza tego gatunku – Jonathana Larsona uznawany jest dziś w świecie za jeden z najważniejszych musicali ostatniej dekady XX wieku. Powstał w USA w 1996 roku. Zdobył szturmem Broadway, otrzymując nie tylko Tony Awards za najlepszy musical ale również Nagrodę Pulitzera w kategorii dramatu. Jest zatem dziełem prawdziwie uznanym i docenionym. Sądzimy, że taki sam sukces jest mu pisany również przed polską widownią, zwłaszcza w czasie burzliwych dyskusji o złożonym kolorycie i szarości życia.

    – musical Jonatana Larsona z przesłaniem adekwatnym do dzisiejszych czasów: w świecie, gdzie rządzi pieniądz w ostatecznym rozrachunku z życia liczy się nie on lecz miłość

    Mimo, że nie można jej kupić za żadne pieniądze, niektórym wydaje się, że można ją wynająć. „RENT” zdobył nagrodę Pulitzera i cztery statuetki Tony, oraz pięć nagród Drama Desk Award. Jako pierwszy wprowadził do musicalu ważne współczesne tematy społeczne.

    RENT to musical dla młodych ….

    i dla „młodych duchem”, dających się porwać rockowej muzyce i świetnym wokalistom. Dla wszystkich, którzy nie boją się utożsamić z bohaterami śpiewając z nimi piosenki i dla tych którzy nie do końca ich rozumiejąc, jednak po cichu im kibicują. Dla młodych, którzy jeszcze nie odnaleźli swojej drogi i dla dojrzałych, którzy w gąszczu obowiązków tęsknią za radosnym i beztroskim życiem. „RENT” to musical o wolności, tolerancji ale przede wszystkim o potrzebie miłości, do której każdy człowiek ma prawo.

    RENT opowiada o różnych pragnieniach miłości, która każdego z bohaterów prowadzi inną drogą. Łączy ich życie na marginesie wielkomiejskiej społeczności, która odrzuciła ich styl bycia artystycznej bohemy. Młodzi ludzie walczą o zachowanie własnej godności i mieszkania. Są z niego wyrzucani przez swojego dawnego kompana, który nagle się wzbogacając, zamienia się w tyrana. Wielu z bywalców loftu zmaga się z wirusem HIV, z bezdomnością, zimnem i głodem. Jednak najbardziej dotkliwy jest dla nich chłodna obojętność otoczenia oraz niezaspokojony głód miłości. Mimo swojej trudnej sytuacji odkrywają, że najważniejsza w życiu jest właśnie miłość niezależnie od orientacji, wsparcie przyjaciół i postępowanie w zgodzie z własnymi przekonaniami.

    RENT w warszawskim Teatrze Rampa w tłumaczeniu Andrzeja Ozgi. Reżyseria Jakub Szydłowski – wokalista, aktor związany z warszawskimi teatrami Roma, Komedia i Studio Buffo oraz Teatrem Polskim w Szczecinie i Muzycznym w Gdyni.

    W Teatrze Roma wyreżyserował spektakl muzyczny „Proces” wg powieści Kafki, spektakl dla dzieci „Adonis ma gościa” a w Operze i Filharmonii Podlaskiej w Białymstoku widowisko muzyczne „Prosimy nie wyrywać foteli, czyli krótka historia muzyki rozrywkowej”.

    w świecie, gdzie rządzi pieniądz w ostatecznym rozrachunku z życia liczy się nie on lecz miłość

    [gdl_gallery title=”Musical RENT GALLERY Teatr Rampa” width=”800″ height=”800″ ]

    rent musical warszawa teatr rampa

     

  • Był sobie Polak, Polak, Polak i Diabeł

    Był sobie Polak, Polak, Polak i Diabeł

    „Był sobie Polak, Polak, Polak i Diabeł”- kolejna odsłona festiwalu w IMCE.

    Jarosław Cymerman
    TEATR IMKA: 23 i 24 września o godz. 19.00
    Reżyseria: Remigiusz Brzyk

    Obsada:
    Gwiazda – Marta Ledwoń
    Wanda – Marta Sroka
    Staruszka – Halszka Lehman
    Chłopiec – Daniel Dobosz
    Dresiarz – Wojciech Rusin
    Turysta – Przemysław Gąsiorowicz
    Generał – Krzysztof Olchawa
    Biskup – Paweł Kos

    Czas trwania spektaklu: 110 min.
    Ograniczenia wiekowe: 16 +

    Teatr im. Juliusza Osterwy w Lublinie

    Był sobie Polak, Polak, Polak i Diabeł Pawła Demirskiego to rzecz o polskim czyśćcu, który jednak częściej przypomina piekło niż przedsionek raju. W zawieszeniu pomiędzy życiem a śmiercią oglądamy bohaterów szamoczących się z polskimi kompleksami i traumami, trywialna codzienność miesza się z najważniejszymi wydarzeniami z polskiej historii XX wieku, a potoczny język z fragmentami nieoczywistej poezji. W tej okrutnie śmiesznej sztuce stale całkiem serio powracają pytania – co się stało z nami jako wspólnotą, jaka jest współczesna Polska i Polacy, skąd się w nas wzięło paraliżujące wiele działań przekonanie, że jesteśmy peryferiami Europy i wreszcie – jak mówi podtytuł – dlaczego „w heroicznych walkach narodu polskiego wszystkie sztachety zostały zużyte”.

    Paweł Demirski – jeden z najważniejszych polskich dramaturgów współczesnych – znany jest przede wszystkim ze spektakli reżyserowanych przez Monikę Strzępkę, które przyniosły temu duetowi rozgłos i wiele nagród. W Lublinie po raz pierwszy od lat jego tekst został zrealizowany przez kogoś innego niż Strzępka. Po tę, jak sam autor określa swój tekst, „bulwarówkę polityczną”, sięgnął Remigiusz Brzyk – laureat wielu nagród, reżyser m. in. głośnego sosnowieckiego Korzeńca. Lubelski Był sobie Polak, Polak, Polak i Diabeł to zatem okazja do odkrycia innego niż to najbardziej znane oblicza dramaturgii Demirskiego i zobaczenia na scenie Teatru im. J. Osterwy zamkniętych przez Brzyka w klatce ośmiorga potworów – jednego niemieckiego i siedmiorga polskich (w tym dwu znanych z prasowych czołówek) – które na przemian śmieszą, tumanią i straszą.

    „Dofinansowano ze środków Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego”.

    Fotografia teatralna

    Był_sobie_Polak_fot_Mateusz_Wajda_01_Krzysztof_Olchawa_Halszka_Lehman_Daniel_Dobosz_Paweł_Kos Był_sobie_Polak_fot_Mateusz_Wajda_02_Przemysław_Gąsiorowicz,_Wojciech_Rusin,_Halszka_Lehman Był_sobie_Polak_fot_Mateusz_Wajda_08_Paweł_Kos

  • Édith i Marlene

    Édith i Marlene

    Édith i Marlene

    spektakl w reżyserii węgierskiej reżyserki Márty Mészárosi w inscenizacji Mazowieckiego Teatru Muzycznego im. Jana Kiepury.

    Autorką sztuki jest węgierska dramatopisarka Éva Pataki. Édith i Marlene to opowieść o wieloletniej przyjaźni dwóch niezwykłych kobiet i wybitnych artystek –  Édith Piaf i Marleny Dietrich. Widzimy dwie różne osobowości, dwa różne temperamenty – chłodną, wyniosłą Marlene i spontaniczną, ciągle poszukującą miłości Édith. Obydwie miały pogmatwane życie osobiste, obydwie wiele w życiu bezpowrotnie straciły. Ale zarówno Édith, jak i Marlene miały pasję. Tą pasją była sztuka. To miłość do śpiewu i muzyki połączyła te tak skrajnie odmienne kobiety. Usłyszymy między innymi: „La vie en rose”, „Padam, padam” i „Milord” z repertuaru Édith Piaf, a także słynną piosenkę „Ich bin von kopf bis fuss auf liebe eingestellt” z filmu „Błękitny anioł”, gdzie tytułową rolę grała Marlena Dietrich.

    W naszej inscenizacji wystąpią: w roli Édith – Anna Sroka-Hryń, a w roli Marlene – Halina Mlynkova (będzie to debiut teatralny tej Artystki). pozostałych rolach zobaczymy m.in. Ewę Telegę, Lesława Żurka i Juliana Mere. Kierownictwo muzyczne nad spektaklem objęli znakomici pianiści i aranżerzy – Czesław Majewski i Janusz Tylman.

    Uroczysta premiera odyła się 5 i 6 marca 2013 r. o godz. 19.00 na scenie widowiskowo-koncertowej Matecznik Mazowsze w Otrębusach.

    Fotografia teatralna:

    Édith i Marlene fotografia kobiety Édith i Marlene fotografia kobiety Édith i Marlene fotografia kobiety

    Edith i Marlene – 2 obsady

    PIAF

    Anna Sroka-Hryń

    MARLENE

    Halina Mlynkova

    MOMONE, przybrana siostra Piaf

    Ewa Telega

    LEPLÉE, właściciel baru

    Arkadiusz Brykalski

    RAYMOND, autor tekstów i impresario
    KOMISARZ POLICJI

    Julian Mere

    KONFERANSJER
    MARCEL, mistrz świata w boksie

    Jacek Zienkiewicz

    THÉO, fryzjer i piosenkarz
    GEORGES, pianista barowy

    Janusz Tylman

    PIAF

    Anna Sroka-Hryń

    MARLENE

    Halina Mlynkova

    MOMONE, przybrana siostra Piaf

    Ewa Telega

    LEPLÉE, właściciel baru

    Arkadiusz Brykalski

    RAYMOND, autor tekstów i impresario
    KOMISARZ POLICJI

    Julian Mere

    KONFERANSJER
    MARCEL, mistrz świata w boksie

    Lesław Żurek

    THÉO, fryzjer i piosenkarz
    GEORGES, pianista barowy

    Janusz Tylman

    Skład zespołu muzycznego 27 i 28 września 2014 roku:

    Janusz Tylman, Czesław Majewski, Wiesław Wysocki, Dariusz Świnoga, Wojciech Malina Kowalewski

  • Warzywa są z kosmosu

    Warzywa są z kosmosu

    WARZYWNA EKSPEDYCJA
    w Teatrze Małego Widza

    Pomysł i reżyseria: Agnieszka Czekierda
    Występują: Bartek Adamczyk i Arkadiusz Wrzesień
    Scenografia: Agnieszka Czekierda i Dominika Lenart
    Reżyseria światła: Sebastian Kozioł
    Wsparcie techniczne: Michał Foltak
    Czas trwania spektaklu: ok 30 min + 15 minut zabawy
    Adresaci spektaklu: dzieci w wieku 1-5 lat

    W niedzielę 14 września 2014 roku na scenie Teatru Małego Widza, przy ulicy Jezuickiej 4 w Warszawie, będziemy świętować trzecie urodziny teatru i z tej okazji przygotowaliśmy wyjątkowo smakowity kąsek dla najmłodszych widzów – premierę spektaklu „Warzywa są z kosmosu”, w którym główne role zagrają soczyste, smaczne, piękne i zdrowe – świeże WARZYWA we własnej osobie! Nie trzeba lat świetlnych, żeby zobaczyć fantastyczne warzywne konstelacje, wystarczy dać się porwać nieziemskiej grawitacji, w tej niezwykłej kapuściano – marchewkowej wariacji, którą zaserwujemy naszym widzom.

    Warzywa są z kosmosu to spektakl, którego inspiracją stały się kreatywne warsztaty warzywne przeprowadzone w teatrze z dziećmi. Obok dwóch bohaterów na scenie zaprezentuje się cała nieziemska plejada gwiazd o zjawiskowych kształtach, fakturach, kolorach, fikuśnych liściach, odnogach i odnóżkach, z długaśnymi wąsami i bujnymi czuprynami, niezwykłymi brodami i krótkimi grzywkami. Warzywa bywają dziwne – pomarszczone, parchate i pryszczate, ale spotkać też można okazy gładkie, delikatne, karbowane i pozawijane. A jak smakują i pachną? Kosmicznie! Właśnie! Jeśli zastanawiacie się, czy można zbudować z nich rakietę i polecieć w kosmos, czy może istnieje tam, gdzieś, wysoko, jakaś warzywna galaktyka, marchewkowe drogi, planety wielkie jak kapusta, rzodkiewkowe gwiazdozbiory, meteory: pory i szczypiory, albo cebulowe księżyce i paprykowe mgławice – odpowiemy, że w  teatrze wszystko jest możliwe, wszystko jest na wyciągnięcie ręki!

    TEATR MAŁEGO WIDZA
    SCEK, Scena Dziecka
    ul. Jezuicka 4 (wejście od ul. Brzozowej)
    00-281 Warszawa – Stare Miasto
    tel. +48 512 622 215
    info@teatrmalegowidza.pl
    www.teatrmalegowidza.pl

    Warzywa są z kosmosu

  • Więzi rodzinne

    Więzi rodzinne

    Więzi rodzinne wg. Daniela Gordona

    „Więzi Rodzinne” (tyt. oryg. Pruning The Family Tree)
    Autor: Daniel Gordon
    Tłumaczenie: Bogusława Góral
    Scenografia: Marcin Stajewski
    Opieka reżyserska: Jakub Kamieński
    Kostiumy: Elżbieta Radke
    Światło: Jacek Zygadło
    Opracowanie muzyczne: Ola Goetzen
    Produkcja: MA Production

    OBSADA:
    Małgorzata Pieńkowska
    Małgorzata Niemirska
    Kinga Tabor
    Marta Wardyńska

    Pierwszy spektakl w nowym sezonie artystycznym w Warszawie

    Niezwykła obsada aktorska, w spektaklu ukazuje nam obraz typowej matriarchalnej, amerykańskiej rodziny. To dwa dni w zwykłym domu, którym w głowa rodziny, Joe Casey, dopiero co nie żyje.

    „Więzi rodzinne” są przykładem bardzo cenionego i rzadkiego gatunku czarnej komedii absurdu. Doskonale skonstruowana intryga wciąga widza w pozornie banalny świat czterech kobiet – babci, dwóch córek i wnuczki, które za sprawą pewnego pogrzebu zmuszone są bliżej przyjrzeć się relacjom panującym w swojej rodzinie. Stanowi ona inteligentną i doskonale zagraną farsę, wypełniającą niszę na polskim rynku teatralnym – jest sztuką zabawną i dramatyczną zarazem. Bawi i zmusza do refleksji.

    Kultowa amerykańska sztuka „Więzi Rodzinne” autora Daniela Gordona cieszy się niesłabnącą popularnością w Stanach Zjednoczonych. Jest to pierwsza aranżacja tej sztuki w Polsce, a jednocześnie jest pierwszym producenckim przedsięwzięciem Małgorzaty Pieńkowskiej, znanej szerszej publiczność z serialu „M jak miłość”.

    W sztuce występuje Małgorzata Pieńkowska (córka), która zaprosiła do współpracy aktorki reprezentujące różne aktorskie style i pokolenia. Dzięki temu na scenie zobaczyć możemy: Małgorzatę Niemirską (matka), posiadającą wielki dorobek teatralny, rozpoznawalnej dla szerszej publiczności z roli Lidki w serialu „Czterej Pancerni i pies”; Kingę Tabor (córka) którą często można usłyszeć w różnych rolach dubbingowych oraz zobaczyć w serialu „Na Wspólnej” oraz młodziutką Martę Wardyńską (wnuczka), finalistkę wielu konkursów piosenki aktorskiej oraz laureatka międzynarodowego projektu teatralnego – spektaklu „All inclusive”, o której jeszcze z pewnością usłyszymy.

    Info” GDZIE: Teatr Palladium, ul. Złota 9, 00-019, Warszawa (www.teatrpalladium.com)
    KIEDY: 30 września 2014 r., godz. 19.30

    Więcej informacji o spektaklu:
    www.wiezirodzinne.pl (dostepna recenzja Pana Jacka Wakara)

    O MA Production
    Ma Production zrodziło się z marzenia. Ale także z silnej potrzeby sięgnięcia poza ustalony, dobrze znany i pozornie bezpieczny sposób na życie. Z poszukiwaniu sensu i przyjemności tworzenia. Z potrzeby kontaktu i wymiany doświadczeń. Z szacunku dla pracy w zespole. Z chęci dawania. Z bliżej nieokreślonej natury poszukiwacza skarbów. Z obserwacji. Z niezgody na wszystko.
    Dziś Ma Production jest rzeczywistością. Działalność Ma Production zaczynam realizacją spektaklu „Więzi rodzinne” wg Daniela Dan Gordona.
    Moja wizja – to teatr nie przywiązany do miejsca. Uwielbiam grać dla publiczności nie tylko w Warszawie, ale także poza Warszawą. Doceniam nowe miejsca i nowe spotkania. Wierzę więc, że będziemy spotykać się na spektaklach wyprodukowanych przeze mnie w całej Polsce.
    Źródło: malgorzatapienkowska.pl

    Fotografia teatralna: Łukasz Łuszczek

    więzy rodzinne spektakl więzy rodzinne spektakl więzy rodzinne spektakl więzy rodzinne spektakl więzy rodzinne spektakl

    Plakat teatralny

    plakat teatralny więzy rodzinne spektakl

    Produkcja

    więzy rodzinne spektakl

  • Metro

    Metro

    Musical „Metro” jest dziełem Janusza Józefowicza i Janusza Stokłosy – dwóch wybitnych postaci polskiej, teatralnej sceny muzycznej. Libretto oraz teksty piosenek napisały Agata i Maryna Miklaszewskie. Musical miał swoją prapremierę w teatrze Dramatycznym w Warszawie 30 stycznia 1991 roku. W sezonie 1991/1992 „Metro” było nominowane do broadwayowskiej nagrody Tony Award za muzykę i libretto w kategorii: najlepsza partytura teatralna. Świetna passa musicalu trwa nieprzerwanie od 23 lat i nic nie zapowiada końca tej popularności.

    Musical „Metro” w sierpniu w teatrze Studio Buffo

    W sierpniu teatr Studio Buffo pracuje, a swoim widzom oferuje musical, który od 23 lat cieszy się niegasnącą popularnością. 28, 29 i 30 sierpnia „Metro” zatrzyma się na stacji teatr Studio Buffo. W obsadzie spektaklu zobaczymy m.in. Mariusza Czajkę, Dariusza Kordka, Artura Chamskiego, Jerzego Grzechnika, Natalię Kujawę i Natalię Krakowiak.

    Metro

    W sierpniu na scenie teatru Studio Buffo będziemy mieli okazję zobaczyć Mariusza Czajkę, Dariusza Kordka, Jerzego Grzechnika, Natalię Kujawę, Natalię Krakowiak, Artura Chamskiego oraz wielu innych wybitnych artystów teatru Studio Buffo. Jak podkreśla Natalia Kujawa – odtwórczyni roli Anki w spektaklu – Dla młodych aktorów – nowego pokolenia „Metra”, musical jest przede wszystkim spełnieniem marzeń, ale i ogromnym wyzwaniem. Grały w nim osoby dziś bardzo znane i cenione na scenie artystycznej, tj. Edyta Górniak, Katarzyna Groniec, co czyni ten musical wyjątkowym. Cudownie jest grać w tym spektaklu, jako kolejne pokolenie. Z musicalem nie czekamy do września! Dla naszych Widzów gramy go już w sierpniu, by przyjemnie zakończyć wakacje i zainaugurować nowy sezon teatralny, który rozpocznie się 4 września.

    Daty i godziny spektaklu:
    28.08., godz. 19.00
    29.08., godz. 19.00
    30.08., godz. 16.00, godz. 19.00

    Bilety na spektakl można zarezerwować na stronie internetowej teatru Studio Buffo:
    studiobuffo.com.pl

    Fotografia teatralna: archiwum teatru

    artyści tancerze fotografia musical metro artyści tancerze fotografia musical metro artyści tancerze fotografia musical metro artyści tancerze fotografia musical metro artyści tancerze fotografia musical metro artyści tancerze fotografia musical metro logo musicalu teatru studio buffo metro

  • Sklep Magika Mechanika

    Sklep Magika Mechanika

    Sklep Magika Mechanika – inspirowany baśnią o stalowym jeżu Jana Brzechwy

    Scenariusz i reżyseria: Agnieszka Czekierda
    Choreografia i reżyseria: Mateusz Polit
    Występują: Agnieszka Czekierda i Antoni Barłowski
    Scenografia i Kostiumy: Katarzyna Adamczyk
    Adresaci spektaklu: dzieci w wieku 5-10 lat
    Czas trwania: 45 minut + 15 minut wspólnej zabawy

    Pewnej nocy ze sklepu Magika Mechanika ucieka tajemniczy jeż, zaklęty w stalowy pancerz. Ucieka z miasta w popłochu i gna przed siebie w poszukiwaniu ratunku. Marzy o tym, aby pozbyć się ciężkiego stalowego pancerza, w którym został uwięziony. Ciemny las, pełen strzyg i dusiołków, spotkanie z Czarodziejem Babulejem, rtęciowe stawy i bitwa z trytonami, atak ciem i nietoperzy, starcie z bawołami i siła przyciągania Góry Magnesowej, to tylko niektóre z niespodzianek czekających naszego bohatera. „Sklep Magika Mechanika” to przepiękna opowieść, pełna magii i zaczarowanych postaci. Daleka od dosłowności i cudownie nierealna. To baśń opowiedziana przez dwójkę aktorów nie tylko za pomocą słów, ale przede wszystkim za pomocą ruchu, tańca, muzyki, obrazów i symboli. To opowieść ze szczęśliwym zakończeniem, z pięknym rycerzem i jasnowłosą dziewczyną, którzy żyli długo i szczęśliwie…

    „Na ulicy Czterech Wiatrów
    Niedaleko Bonifratrów
    Do zachodnich ścian przytyka
    Sklep Magika Mechanika
    Sklep ten zawsze jest zamknięty
    Lecz przez okno wystawowe
    Widać różne dziwne sprzęty
    Różne części metalowe
    Tajemnicze instrumenty
    Automaty, lalki, skrzynki
    Nakręcane katarynki
    Śpiewające psy i świnki (…)”

     

    Plakat do spektaklu

    teatr małego widza plakat

  • Sabat Dobrego Domu

    Sabat Dobrego Domu

    reżyseria: Monika Strzępka
    dramaturgia: Paweł Demirski
    scenografia i kostiumy: Michał Korchowiec
    muzyka: Jan Suświłło
    wideo: Tomasz Michalczewski
    obsada:
    Klara Bielawka
    Krzysztof Dracz
    Dobromir Dymecki
    Anna Kłos-Kleszczewska
    Radomir Rospondek
    Alona Szostak
    Paweł Tomaszewski

    STRZĘPKA/DEMIRSKI E03: SABAT DOBREGO DOMU

    Już 28 czerwca w Teatrze Imka odbędzie się premiera najnowszego spektaklu duetu Strzępka Demirski pt. E03: SABAT DOBREGO DOMU. To trzeci z czterech odcinków serialu teatralnego pt. „Klątwa, odcinki z czasu beznadziei”.

    Najważniejszy teatralny duet po raz kolejny udowadnia, że trzyma rękę na politycznym, społecznym i religijnym pulsie kraju. Gdy przystępował do pracy nad pionierskim teatralnym serialem, mało kto wierzył, że ich sceniczna wizja katastrofy ma jakikolwiek sens. Tymczasem wojna na Ukrainie, kompromitacja politycznych elit i zmienna rola mediów ukazana w scenariuszu staje się faktem na naszych oczach.

    Jeżeli chcecie wiedzieć, co wywołało przepowiedziane w pierwszym odcinku polityczne trzęsieniem ziemi, zobaczcie trzeci odcinek pokazujący kto stoi za każdą polityczną zmianą w kraju. Kanwą odcinka będzie wywołane okultystyczną niefrasobliwością przeniesienie bohaterów w czasy PRL-u, które pomoże wyjaśnić wiele tajemnic współczesności. W tym kilka tajemnic Watykanu. Padnie też odpowiedź na pytanie: co z tą Polską?

    Klątwa, odcinki z czasu beznadziei to pierwszy serial teatralny Strzępki i Demirskiego. Twórcy wybrali tę formę, uznając, że rozbudowana, podzielona na odcinki opowieść lepiej oddaje pulsującą i zmieniającą się codzienność, szczególnie w burzliwych, pod względem politycznym
    i społecznym, czasach.

    Fotografia teatralna Tomasz Michalczewski

    fotografia teatralna warszawa

  • Ragazzo dell’Europa

    Ragazzo dell’Europa

    RAGAZZO DELL’EUROPA POWRACA PO DWÓCH LATACH NA DESKI TR WARSZAWA

    Reżyseria: René Pollesch
    Obsada: Aleksandra Konieczna, Agnieszka Podsiadlik, Piotr Głowacki, Tomasz Tyndyk.
    Czas trwania: 1 godz. 20 min. (bez przerwy)
    Miejsce: TR Warszawa, ul. Marszałkowska 8

    Na podstawie tekstów René Pollescha Cappuccetto Rosso w przekładzie Doroty Sajewskiej i Pablo w markecie Plusa w przekładzie Hanny Krogulskiej.

    Po ponad dwóch latach przerwy na deski TR Warszawa powraca spektakl „Ragazzo dell’Europa”, przewrotny komentarz do rzeczywistości, która coraz bardziej traci jakąkolwiek realność. Sztukę René Pollescha można obejrzeć na scenie przy ul. Marszałkowskie 8 w dniach 12-14 czerwca o godzinie 19.00.

    Przedstawienia René Pollescha, uważanego za jednego z najwybitniejszych reprezentantów teatru postdramatycznego, imponują ilością wątków, poruszanych problemów czy odwołań. Istotą jego twórczości jest konfrontacja przebiegająca we wszystkich możliwych płaszczyznach i w tym sensie jest to teatr rewolucyjny. Pollesch w równym stopniu czerpie z popkultury, co ze sztuki wysokiej. Jego teksty składają się z cytatów z teorii społecznych, analiz ekonomicznych, krytyki kapitalizmu, teorii płci, teorii komunikacji, autobiograficznych notatek, bulwarowych sztuk i popularnych filmów. Bywa wręcz nazywany „złodziejem języka”, choć nie chodzi tu o używanie cudzych myśli i teorii, ale ich recykling, redefinicję, uwikłanie w spór, bądź, co najczęstsze, dekonstrukcję.

    Ragazzo dell’Europa to przewrotny komentarz do rzeczywistości, która coraz bardziej traci jakąkolwiek realność. To również ciekawe, a przy tym zabawne rozważanie o teatrze zarówno jako o przestrzeni spotkania twórców i odbiorców, jak i miejscu pracy aktorów. Prowokuje też pytanie o istotę aktorstwa i cenę uprawiania tego zawodu, co sprawia, że spektakl ten nieoczekiwanie wchodzi w dialog z najnowszym przedstawieniem wyreżyserowanym przez Grzegorza Jarzynę – „Druga kobieta” (w repertuarze TR Warszawa od 20, 21 i 22 czerwca o godzinie 20.00.).
    Filmowani za kulisami (na scenie jest ekran) Agnieszka Podsiadlik, Aleksandra Konieczna, Tomasz Tyndyk i Piotr Głowacki opowiadają o sobie, dostajemy blisko dwie godziny świetnej, prowadzonej w zawrotnym tempie zabawy. Przerzucając się rolami i kostiumami, aktorzy roztrząsają mechanizmy reprezentacji, badają możliwość bycia sobą w roli, rozpaczają nad utratą czaru – rodzaju charyzmy, który wyróżniał ich z tłumu i pozwalał wychodzić co wieczór na scenę. Aneta Kyzioł, POLITYKA.

    W ramach cyklu Nowa Dramaturgia TR zostały wydane cztery dramaty René Pollescha: „Jackson Pollesch”, „Cappuccetto Rosso”, „Pablo w markecie Plusa” oraz „Halo Hotel…!”. Można je nabyć w kasie TR Warszawa lub we foyer teatru przed spektaklem.

    RAGAZZO DELL’EUROPA
    W koprodukcji TR Warszawa z Instytutem Goethego, przy wsparciu Fundacji Współpracy Polsko-Niemieckiej.

    Fotografia teatralna : Stefan Okołowicz

    fotografia Stefan Okołowicz fotografia Stefan Okołowicz fotografia Stefan Okołowicz fotografia Stefan Okołowicz fotografia Stefan Okołowicz fotografia Stefan Okołowicz fotografia Stefan Okołowiczfotografia Stefan Okołowicz

  • Lód

    Lód

    Władimir Sorokin
    LÓD

    adaptacja, reżyseria, opracowanie muzyczne – Konstantin Bogomołow
    tłumaczenie adaptacji – Agnieszka Lubomira Piotrowska
    scenografia – Larisa Łomakina
    reżyseria światła – Jacqueline Sobiszewski

    występują:
    Mariusz Bonaszewski, Anna Chodakowska, Dobromir Dymecki, Wiktoria Gorodeckaja, Anna Grycewicz, Waldemar Kownacki, Karol Pocheć, Jerzy Radziwiłowicz, Mateusz Rusin, Bożena Stachura, Danuta Stenka, Przemysław Stippa, Milena Suszyńska

    Adaptacja światowego bestselleru Władimira Sorokina po raz pierwszy w polskim teatrze. Twórcą premiery jest Konstantin Bogomołow, najgłośniejszy reżyser średniego pokolenia.

    Po milionach lat uśpienia tajemnicza sekta nadistot, stworzycieli Ziemi, niespodziewanie wkracza między ludzi. Chcą odnaleźć swoich współbraci. Zimny i twardy lód służy nadistotom, doskonałym, lecz nieludzkim, by rozprawić się z otaczającą ich „ludzkością”.

    Premiera: 25 stycznia 2014 roku
    sala Bogusławskiego

    Spektakl powstał w koprodukcji z Instytutem Adama Mickiewicza

    Spektakl zawiera drastyczne sceny i słownictwo. Jest przeznaczony dla widzów dorosłych.

    Fotografia teatralna: Andrzej Wencel

    fotografia